En Équilibre x Cartier : quand Harper’s Bazaar révèle l’art de la haute joaillerie

Avec En Équilibre, Cartier signe une collection de haute joaillerie où chaque création semble défier les lois de la gravité. Pensée autour de l’harmonie des formes et de la tension des volumes, elle illustre l’excellence du savoir-faire joaillier de la Maison. À travers une série photographique réalisée pour Harper’s Bazaar, cet univers prend forme dans des images où chaque bijou devient le point d’équilibre d’une composition parfaitement maîtrisée.

En Équilibre : la recherche de l’harmonie parfaite selon Cartier

Présentée comme un dialogue entre rigueur et fluidité, la collection En Équilibre explore la manière dont la haute joaillerie peut créer une sensation de mouvement à partir de structures extrêmement précises. Chaque pièce semble trouver son point de tension idéal. Rien n’est laissé au hasard, pourtant l’ensemble conserve une impression de spontanéité.

Cette approche se traduit par des compositions où les pierres précieuses paraissent presque en suspension. Les diamants dessinent des lignes d’une grande pureté. Les saphirs apportent une profondeur magnétique. Les émeraudes et les rubis introduisent des accents vibrants. Cependant, rien ne paraît figé. Au contraire, les bijoux semblent évoluer avec le corps. Cette sensation de fluidité constitue l’une des signatures les plus fortes de la collection.

Plus qu’une démonstration de virtuosité technique, En Équilibre traduit une philosophie chère à Cartier : atteindre une forme d’évidence visuelle. Les pierres semblent suspendues. Les volumes paraissent naturels. Pourtant, chaque détail résulte d’un équilibre minutieusement calculé entre poids, proportions et lumière.

L’architecture invisible de la haute joaillerie Cartier

L’équilibre n’est pas seulement une idée esthétique. Il est également un exploit technique. Les artisans Cartier cherchent à faire disparaître la structure pour ne laisser apparaître que la beauté du geste et de la pierre.

Cette démarche se retrouve dans les colliers articulés, les pendentifs suspendus ou encore les compositions géométriques qui traversent la collection. Les lignes restent nettes. Les proportions sont rigoureuses. Pourtant, les pièces conservent une impression de légèreté remarquable.

Ainsi, Cartier transforme la haute joaillerie en véritable exercice d’équilibre. La maîtrise technique s’efface derrière l’émotion visuelle. Chaque création donne l’impression d’échapper à la gravité tout en conservant une présence spectaculaire.

Harper’s Bazaar met en scène la collection

Pour traduire cet univers, Harper’s Bazaar choisit une esthétique volontairement épurée. Les photographies reposent sur des arrière-plans lumineux et des tons délicats. Les silhouettes se construisent autour de volumes sculpturaux qui prolongent les lignes des bijoux.

Les robes blanches aux plis architecturés répondent à l’éclat des diamants. Les silhouettes aux teintes pastel accompagnent les pierres colorées sans jamais détourner l’attention. De plus, les cadrages rapprochés permettent d’observer chaque détail de fabrication.

Cette retenue visuelle renforce la puissance des créations. Le regard est guidé vers les pierres. Chaque image devient alors une extension du travail réalisé par les ateliers Cartier.

Quand la photographie révèle le mouvement des pierres

La force de cette série réside dans sa capacité à donner vie aux bijoux. Les poses restent contrôlées. Pourtant, une sensation de mouvement traverse les images. Les pendentifs semblent osciller. Les cascades de diamants paraissent suspendues dans le temps. Les pierres de couleur captent la lumière avec une intensité presque irréelle.

Les photographies traduisent ainsi l’idée centrale d’En Équilibre : trouver la juste tension entre stabilité et mouvement. Entre puissance et délicatesse. Entre savoir-faire technique et émotion.

Cette recherche d’épure et de précision rappelle certaines productions publiées dans les éditoriaux mode du studio, où la lumière et la composition deviennent les premiers outils du récit visuel.

Par ailleurs, ce type de production joaillière exige bien plus qu’un simple espace de prise de vue. La présence de pièces de haute joaillerie nécessite un environnement parfaitement maîtrisé, aussi bien sur le plan logistique que sécuritaire. Grâce à sa configuration indépendante et à ses conditions d’accueil adaptées aux productions exigeantes, le Studio La Campagne permet de recevoir ce type de shooting dans un cadre discret, sécurisé et entièrement privatisable. Un atout essentiel lorsque chaque déplacement, chaque manipulation et chaque minute de présence des bijoux font l’objet d’une attention particulière.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Photographe : Alfonso Anton Cornelis
Model : Eduarda Muelhmann
Stylist : Anna Castan
Stylist assistant : Clara Devillet
Hair stylist : Hiromi Nishinaka
Makeup : Marion Robine for @callisteagency
Nail artist : Sophie A. for @callisteagency
Casting director : Shawn Dezan

DUST China x Alisa Volskaya : l’élégance du pouvoir silencieux

La série réalisée pour le numéro 5 de DUST China explore une idée rare dans l’image de mode contemporaine : celle d’une présence qui s’impose sans jamais chercher à dominer. À travers cette histoire visuelle photographiée par Charlotte Navio, Alisa Volskaya incarne une féminité construite sur la maîtrise, l’instinct et la retenue.

Au fil des images, une atmosphère singulière s’installe. Les silhouettes prennent place dans un décor minimaliste qui laisse toute sa place aux matières, aux attitudes et aux jeux de lumière. Les contrastes structurent l’image sans jamais l’alourdir, tandis qu’une impression de maîtrise discrète traverse l’ensemble de la série. Rien n’est démonstratif : tout repose sur un équilibre subtil qui capte naturellement le regard.

Alisa Volskaya, une figure de la féminité contemporaine

Cette histoire pour DUST China s’articule autour d’une personnalité qui dépasse le simple statut de mannequin. Alisa Volskaya appartient à cette génération de femmes qui construisent leur propre narration. Fondatrice et stratège créative, elle incarne une vision où l’image dialogue avec l’intelligence, l’indépendance et la direction artistique. Elle est également connue pour avoir été directrice exécutive de la Naked Heart Foundation en France, une organisation caritative fondée par le mannequin et philanthrope russe Natalia Vodianova, un engagement qui témoigne de son intérêt pour les projets à fort impact social.

Ainsi, sa présence donne une profondeur particulière à la série. Chaque regard paraît réfléchi. Chaque posture semble guidée par une intention. Le pouvoir n’est jamais démonstratif. Il apparaît dans les gestes les plus simples, dans une attitude ou dans une manière d’occuper l’espace.

Une série mode entre force et précision

Les photographies alternent entre noir et blanc graphique et images couleur lumineuses. Cette construction crée un rythme visuel particulièrement efficace. D’un côté, les silhouettes sombres évoquent une élégance presque sculpturale. De l’autre, les couleurs révèlent la richesse des matières, des bijoux et des accessoires.

Par ailleurs, le stylisme accompagne cette dualité avec justesse. Les volumes se déploient puis se resserrent. Les tissus fluides répondent aux lignes plus architecturales. Les détails précieux apparaissent sans jamais prendre le dessus sur le personnage central.

Cette approche rejoint d’autres productions présentées dans notre rubrique éditoriale mode, où la photographie devient un véritable langage narratif.

Le regard de Charlotte Navio

La photographie de Charlotte Navio repose sur un équilibre subtil. D’une part, les cadrages restent très épurés. D’autre part, chaque image conserve une forte charge émotionnelle.

Les gros plans révèlent les textures, les mouvements de cheveux et les expressions fugitives. Ensuite, les portraits en pied redonnent de l’ampleur aux silhouettes. Cette alternance crée une tension constante entre proximité et distance.

De plus, les images backstage dévoilées autour du projet soulignent la précision de la construction photographique. Derrière l’apparente simplicité des fonds blancs, chaque mouvement, chaque lumière et chaque détail participent à l’identité de la série.

DUST China et l’esthétique de la présence

Au-delà de la mode, cette histoire publiée dans le numéro 5 de DUST China questionne la notion même de présence. Il ne s’agit pas uniquement de vêtements ou d’accessoires. Il s’agit d’une manière d’être.

Ainsi, Alisa Volskaya devient le fil conducteur d’un récit visuel où l’élégance se mesure moins à l’apparence qu’à l’attitude. Une vision contemporaine du pouvoir féminin, silencieuse mais parfaitement assumée.

Pour découvrir d’autres projets photographiques réalisés en studio, explorez également nos actualités ainsi que notre sélection d’articles consacrés au portrait éditorial.

Les productions les plus marquantes sont souvent celles qui laissent une impression durable sans jamais en faire trop. Cette série pour DUST China en est une démonstration particulièrement élégante.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio Le Canal.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Talent — Alisa Volskaya
Photographe — Charlotte Navio
Stylisme — Justine Bleicher
Make-up — Ruby Mazuel
Hair — Ben Mignot
Assistantes stylisme — Alyson Allaire, Charlyne Perez

Zahia pour Apart Publication : une icône pop entre glamour et mise en scène

Zahia pour Apart Publication prend la forme d’un éditorial audacieux où la mode rencontre la fiction. Photographiée par Camille Mompach, la couverture et la série d’images construisent un univers visuel théâtral. Chaque photographie semble appartenir à un décor de cinéma. Pourtant, rien n’est totalement réaliste. Tout repose sur le jeu, l’exagération et la transformation.

Une vision photographique entre argentique et mise en scène

Dès les premières images, Camille Mompach impose une écriture visuelle reconnaissable. Le surcadrage, les bordures apparentes et les références à l’argentique donnent une texture particulière à la série. Ainsi, les photographies semblent provenir d’un autre temps.

Cependant, cette esthétique rétro dialogue avec une approche très contemporaine. Les lumières restent visibles. Les ventilateurs, les projecteurs et certains éléments techniques apparaissent dans le cadre. Cette mise à nu du dispositif renforce l’impression de spectacle. L’image révèle autant le personnage que sa fabrication.

Par ailleurs, cette approche fait écho à d’autres productions photographiques présentées dans notre rubrique éditoriale, où la scénographie participe pleinement à la narration visuelle.

Zahia, personnage central d’un univers extravagant

Dans cette série, Zahia ne joue pas simplement son propre rôle. Elle incarne plusieurs figures. Tantôt star hollywoodienne en coulisses, tantôt diva de cabaret ou héroïne pop, elle traverse les images avec une grande liberté.

Son visage devient un terrain d’expression. Les regards changent. Les attitudes évoluent. De plus, chaque posture participe à la construction d’un personnage différent. Cette capacité à naviguer entre plusieurs registres nourrit la richesse de l’éditorial.

Ainsi, la série ne cherche jamais le réalisme. Au contraire, elle revendique l’artifice comme langage esthétique.

Un stylisme spectaculaire au service de l’image

Le stylisme imaginé par Diane Serfati amplifie cette dimension théâtrale. Corsets ornés, volumes exagérés, accessoires sculpturaux et silhouettes inattendues composent un vestiaire spectaculaire.

Ensuite, le travail de coiffure réalisé par Dorian Jollet joue un rôle essentiel. Les coiffures blond platine évoquent les icônes hollywoodiennes des années 1950. À l’inverse, certaines silhouettes adoptent des lignes plus graphiques et expérimentales.

Le maquillage signé Lorel Encoriton accentue encore cette tension. Les yeux sont intensément dessinés. Les matières brillent sous la lumière. Chaque détail participe à la création d’une image volontairement excessive et assumée.

Entre intimité et construction visuelle

Le décor imaginé par Joseph Hoffmann participe pleinement à l’atmosphère de la série. Les panneaux boisés, la moquette rouge et les accessoires rétro créent un espace volontairement réduit. Rien ne cherche à impressionner par la démesure. Au contraire, chaque élément semble rapprocher le regard du personnage.

Cette proximité renforce la présence de Zahia. Les images donnent parfois l’impression d’observer une scène privée, comme un instant volé entre deux représentations. Pourtant, tout est soigneusement composé. La lumière, les matières et les volumes dialoguent avec le stylisme pour construire un univers cohérent.

Cette approche trouve naturellement sa place au sein du Studio La Campagne. Son équilibre entre volume de travail et atmosphère plus confidentielle permet aux équipes créatives de développer des décors immersifs sans perdre la proximité nécessaire à ce type de narration photographique.

Le reste de la série repose d’ailleurs sur cette tension permanente : une image spectaculaire dans sa forme, mais construite autour d’une sensation d’intimité presque cinématographique.

Une couverture qui célèbre l’excès

Avec Zahia pour Apart Publication, Camille Mompach signe une série qui assume pleinement l’extravagance. L’argentique, le surcadrage, le stylisme et la scénographie se répondent dans un même mouvement. Rien n’est laissé au hasard.

Finalement, cette couverture transforme la mode en spectacle visuel. Elle rappelle que l’éditorial reste un espace de liberté, où l’image peut encore surprendre, provoquer et inventer de nouveaux personnages.

Entre glamour assumé, références rétro et mise en scène contemporaine, cette série démontre comment un décor maîtrisé peut devenir le prolongement naturel d’un personnage photographique.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Cover story for Apart Publication

Photographe — Camille Mompach
Assistant photographie — Manon Léauté
Second assistant photographie — Kelsey Hunter
Stylisme — Diane Serfati
Assistants stylisme — Antonin Roberge, Bella Hfake, Kajol Jain
Coiffure — Dorian Jollet
Assistant coiffure — Ben Avh
Maquillage — Lorelen Coriton
Décors — Joseph Hoffmann
Assistant décors — Sofia Khier
Prop Styling — Isabelle Plan
Production — Young Meyer Lansky in Paris, Lucie Mabit, Paris Décors Production

Dior Haute Couture pour Nu Icons Magazine : une esthétique florale signée Carla Coste

Une vision couture pensée comme une image totale

Pour la cover story de Nu Icons Magazine, Carla Coste imagine une série Dior Haute Couture où le stylisme devient une véritable construction visuelle. Dès les premières images, l’univers s’impose. Les fleurs monumentales dialoguent avec les silhouettes. Les volumes couture prolongent les lignes du corps. Ainsi, chaque photographie fonctionne comme une composition autonome.

Le fond minimaliste joue un rôle essentiel. Rien ne vient distraire le regard. Au contraire, les textures, les couleurs et les matières prennent immédiatement toute la place. Les rouges profonds répondent aux noirs intenses. Puis, les verts lumineux installent une atmosphère presque irréelle.

Cette esthétique crée une tension élégante entre nature et sophistication. Pourtant, l’ensemble reste fluide. Les poses conservent du mouvement. Les silhouettes semblent évoluer dans un décor vivant.

Le stylisme Dior comme moteur narratif

Dans cette série Dior Haute Couture, le stylisme construit le récit autant que l’image. Florian Sudres développe une approche où chaque silhouette devient sculpturale. Les robes semblent dessinées autour du mouvement. De plus, les matières apportent une sensation presque organique.

Les volumes noirs rappellent des pétales en expansion. À l’inverse, les silhouettes blanches introduisent une légèreté plus aérienne. Certaines pièces paraissent flotter autour du mannequin. D’autres structurent fortement la posture.

Les accessoires floraux renforcent également cette mise en scène. Les fleurs géantes deviennent des partenaires de jeu. Elles modifient les proportions. Elles créent une forme d’exagération poétique typique des grandes productions mode éditoriales.

Cette recherche esthétique trouve naturellement sa place dans des espaces capables d’accueillir des décors ambitieux et des productions couture d’envergure, comme les shootings réalisés au Studio Le Canal ou dans les projets visibles dans la section édito.

Carla Coste et l’image couture contemporaine

Le regard de Carla Coste apporte à cette série une dimension très contemporaine. Son approche mélange photographie mode, direction artistique et composition graphique. Chaque image semble pensée avec précision. Pourtant, rien ne paraît figé.

Les cadrages alternent entre plans larges et détails plus intimes. Certaines photographies jouent sur l’échelle monumentale des fleurs. D’autres se concentrent sur la peau, le maquillage ou la lumière.

Cette alternance crée du rythme. De plus, elle permet au stylisme Dior de se transformer constamment au fil de la série. L’univers floral devient alors un terrain d’expérimentation visuelle.

Le travail de lumière participe aussi à cette esthétique. Les contrastes sculptent les corps sans alourdir l’image. Les matières brillent subtilement. Ainsi, la photographie conserve une élégance très éditoriale.

Une direction artistique entre couture et abstraction

Le set design imaginé par Solène Martinau joue un rôle central dans cette série. Les fleurs deviennent des architectures visuelles. Certaines dominent entièrement l’image. D’autres prolongent simplement une silhouette ou un geste.

Cette approche crée une sensation presque irréelle. Pourtant, l’univers reste cohérent grâce à une palette de couleurs très maîtrisée. Les verts saturés, les rouges profonds et les noirs couture installent une identité forte immédiatement reconnaissable.

L’ensemble évoque autant la photographie de mode contemporaine que certaines références plus artistiques. On retrouve une volonté de transformer le vêtement en objet visuel total. Cette approche se retrouve souvent dans les productions éditoriales et campagnes réalisées dans des studios dédiés aux univers mode et luxe, notamment dans les sections campagnes et actualités.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Photography & Art Direction : Carla Coste
Styling : Florian Sudres
Set Design : Solène Martinau
Makeup : Jeanne Schneider
Hair : Anita Bujoli

Photo assistants :
Light : Ronan Chartrain &  Titouan Le Peutrec
Digital : Pierre Cathala

Model : Mabil Biliny from @women360mgmt

Casting Director : Marion Giovalucchi

Fashion Assistant : Evelyne Kuoch
Production : Gray Castillo @nuiconsmagazine @b3ss

Art Direction :  Lisa Rebeca & @clioham

Senior Fashion Editor : Rodrigo Diaz Russian

Publication : Nu Icons Magazine
Maison : Dior Haute Couture

Sofiane Pamart en couverture d’ONIRIQ : une vision musicale entre rêve et fiction

Pour son numéro de printemps, ONIRIQ consacre sa couverture à Sofiane Pamart. Une présence évidente. Depuis plusieurs années, le pianiste impose une écriture musicale singulière. Entre virtuosité classique et culture contemporaine, il construit un univers immédiatement identifiable. Ainsi, cette collaboration éditoriale prolonge naturellement son esthétique.

Pensée comme une immersion visuelle, la série joue avec les codes du rêve, du luxe et de la mise en scène surréaliste. Dès les premières images, Sofiane Pamart apparaît comme un personnage traversant plusieurs dimensions. Les décors numériques, les perspectives infinies et les silhouettes sculpturales créent une narration presque cinématographique.

Une esthétique suspendue entre réel et imaginaire

Dans cette série réalisée pour ONIRIQ Magazine, chaque image semble fonctionner comme une composition musicale. Les couleurs pastel répondent aux teintes nocturnes. De plus, les textures numériques renforcent l’impression d’irréalité. Pourtant, la présence de Sofiane Pamart reste très incarnée.

Le travail de la photographe construit un langage visuel précis. Les cadrages allongent les silhouettes. Les espaces deviennent monumentaux. Par ailleurs, les éléments flottants, nuages, escaliers, partitions ou paysages désertiques, évoquent un univers mental plus qu’un lieu réel.

Cette approche fait écho à la musique de Sofiane Pamart. Son piano navigue souvent entre mélancolie et puissance. Ici, l’image suit le même mouvement. Elle oscille entre douceur contemplative et tension dramatique.

Sofiane Pamart, figure à part dans la scène musicale contemporaine

Depuis ses débuts, Sofiane Pamart occupe une place singulière dans la musique française. Formé au conservatoire, il s’est pourtant éloigné des codes classiques traditionnels. À l’inverse, il développe une approche plus instinctive, plus visuelle et profondément contemporaine.

Ses projets mélangent les influences. Le rap dialogue avec le piano. La mode rencontre la musique. Le luxe côtoie une forme de solitude romantique. Grâce à cela, Sofiane Pamart dépasse largement le cadre du concert classique.

Cette couverture d’ONIRIQ traduit précisément cette hybridation. Le stylisme accentue la dimension sculpturale des silhouettes. Les accessoires futuristes renforcent quant à eux l’aspect presque irréel du personnage. Enfin, les compositions digitales ouvrent l’image vers un territoire proche du fantasme.

Une production pensée comme un univers total

La série repose sur une direction artistique particulièrement construite. Chaque détail participe à l’identité du projet. Le collage digital apporte une dimension immersive. En parallèle, le stylisme crée des volumes très graphiques.

Le studio devient alors un espace de projection. Les images ne cherchent pas le réalisme. Au contraire, elles assument pleinement une esthétique fictionnelle. Cette liberté visuelle permet de transformer le portrait en véritable narration éditoriale.

Dans cette logique, certains shootings réalisés au Studio Le Canal explorent également des productions hybrides mêlant photographie, vidéo et création digitale. Cette approche favorise des projets visuels ambitieux, pensés comme des univers complets.

Par ailleurs, d’autres séries éditoriales sont à retrouver dans les éditos du studio, entre photographie de mode, narration visuelle et expérimentations artistiques.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Photographe / DA : Nawel Odin
Producteur exécutif : Thomas Heisser
Texte : Désirée de Lamarzelle
Collage digital : Albane Simon
Stylisme : Charlotte Renard
HMC : Ada Nowakowska
Assistant lumière : Martin Cayssilié
Avec le soutien de Carrera

Raya Martigny : corps en suspension pour Lampoon Magazine

Dans cet éditorial réalisé pour Lampoon Magazine, Raya Martigny évolue dans un décor volontairement inachevé. Les matières brutes, les panneaux d’atelier et les surfaces de craft deviennent des extensions du corps. Dès les premières images, le projet construit une tension étrange. Rien ne semble totalement stable. Pourtant, chaque geste paraît précisément orchestré.

Pensé autour de la notion d’“Aphantasia”, le shooting photographié par Walter Pierre transforme le mouvement en mécanique suspendue. Le corps n’est plus seulement photographié. Il devient structure, matière et friction.

Alors que Raya Martigny continue d’imposer sa présence entre mode, cinéma et activisme, cet éditorial révèle aussi une autre facette de son langage visuel : une présence silencieuse, presque industrielle, qui dialogue avec l’espace autant qu’avec la caméra.

Une actualité forte entre Cannes et la mode

Cette année, Raya Martigny a marqué le Festival de Cannes par plusieurs apparitions remarquées. L’actrice et mannequin était notamment présente autour du film Les Matins merveilleux d’Avril Besson, présenté en Séance Spéciale. Elle y partage l’affiche avec India Hair et Éric Cantona.

Sa présence à Cannes confirme une trajectoire qui dépasse largement le cadre de la mode. Depuis plusieurs années, Raya Martigny construit un parcours hybride entre cinéma, performance et représentation queer. Révélée dans les univers de Mugler, Rick Owens ou Jean Paul Gaultier, elle développe également une pratique artistique plus personnelle autour de l’image et de l’identité.

Originaire de La Réunion, elle porte aussi un engagement fort autour des représentations LGBTQIA+. Avec le projet Kwir Nou Éxist, mené avec le photographe Édouard Richard, elle documente des identités queer réunionnaises encore peu visibles dans les récits médiatiques traditionnels.

Cette dimension politique reste discrète dans l’éditorial réalisé pour Lampoon. Pourtant, elle traverse chaque image. Le corps de Raya Martigny n’est jamais neutre. Il occupe l’espace avec une forme de résistance calme.

Walter Pierre construit un espace de déséquilibre

Le photographe Walter Pierre développe ici une écriture très particulière. Basé à Amsterdam, l’artiste sud-africain travaille souvent autour de la tension entre corps et architecture. Ses images ne racontent pas une histoire linéaire. Elles mettent plutôt en place des systèmes visuels.

Dans cette série pour Lampoon Meccano, les postures semblent interrompues au milieu d’un mouvement. Un fer à repasser devient un objet absurde. Une vitrine étroite transforme le corps en sculpture enfermée. Plus loin, une accumulation de chaussures agit presque comme une extension organique du décor.

Le studio devient alors un terrain d’expérimentation. Les panneaux bruts, les sols recouverts de craft et les éléments volontairement visibles participent à cette sensation d’inachèvement permanent. Rien n’est masqué. Au contraire, la construction du décor fait partie intégrante du récit visuel.

Cette approche rejoint naturellement les recherches développées dans certains projets réalisés au Studio Le Canal, où les productions utilisent régulièrement des décors évolutifs et des matières brutes pour construire des univers photographiques immersifs.

Un décor atelier pensé comme une extension du corps

L’un des aspects les plus marquants de cet éditorial reste la scénographie imaginée par Clément Pelisson. Le décor ne cherche jamais le réalisme. Il fonctionne plutôt comme une structure mentale.

Les panneaux patinés rappellent des murs d’atelier ou des espaces de répétition. Le sol en craft apporte une texture fragile. Chaque élément semble temporaire. Cette sensation donne aux images une forme de vulnérabilité très contemporaine.

Par ailleurs, les accessoires deviennent eux aussi des outils de narration. Une chaise retournée, un aquarium vide ou une table improvisée suffisent à déséquilibrer la scène. Walter Pierre utilise ces objets comme des points de rupture dans l’image.

Le résultat conserve pourtant une grande douceur visuelle. Les tons sourds, la lumière diffuse et le stylisme de Stefania Chekalina créent un contraste subtil avec la rigidité mécanique du concept initial.

Raya Martigny, présence magnétique et figure contemporaine

Ce qui frappe dans cette série, c’est la manière dont Raya Martigny occupe l’espace sans jamais chercher la démonstration. Son corps semble flotter entre abandon et contrôle.

Dans certaines images, elle apparaît presque désarticulée. Dans d’autres, son regard vient soudain réactiver toute la tension du cadre. Cette oscillation permanente produit une sensation étrange, proche de la performance contemporaine.

L’esthétique développée ici rejoint une nouvelle génération d’éditoriaux mode où le corps n’est plus seulement mis en valeur. Il devient surface de réflexion, outil politique et matière narrative.

On retrouve cette même approche dans plusieurs productions publiées récemment dans les éditoriaux du Studio La Brique Rouge, où photographie, décor et mouvement dialoguent comme un seul langage visuel.

Crédits

Model : Raya Martigny

Photography : Walter Pierre
Styling : Stefania Chekalina
Hair : Jesper Hallin @a__mgmt
Makeup : Anga Borodina @saint_germain_agency
Set design : Clément Pelisson
Casting : Levi Hare
Photography assistants : Anthony Peyper and Helén Robertson
Styling assistant : Alicia Barnet

@go__see

Entre décor brut et suspension mécanique, cette production transforme le studio en espace mental, où chaque image semble rester volontairement inachevée.

Éditorial mode : la direction artistique d’Atelier Outrage en studio

Cet éditorial mode réalisé par Atelier Outrage explore une vision contemporaine de la beauté. Dès les premières images, la direction artistique impose un langage visuel fort, entre contrôle et accident.

Une esthétique entre précision et trouble

D’abord, le travail de l’image repose sur une tension constante. Les textures capillaires deviennent matière. Les visages se dérobent. Le mouvement, quant à lui, trouble la lecture et crée une sensation presque organique.

Ainsi, l’image floue n’est pas une erreur. Au contraire, elle devient un choix esthétique. Elle évoque une présence fragile, presque insaisissable. Cette approche donne au projet une dimension sensorielle immédiate.

Atelier Outrage : une direction artistique affirmée

Ici, Atelier Outrage développe une écriture visuelle précise. Chaque élément est pensé. Le stylisme dialogue avec la coiffure. Le maquillage, lui, structure les contrastes.

Ensuite, les accessoires viennent perturber les codes classiques. Un masque brodé cache le regard. Une épée introduit une tension narrative. Ces choix renforcent une esthétique hybride, entre couture et fiction.

Par ailleurs, la cohérence globale du projet repose sur un équilibre subtil. Rien n’est laissé au hasard, mais tout semble libre.

Le studio comme espace d’expérimentation

Le shooting a été réalisé au sein du studio, un espace propice à ce type de production. Grâce à sa modularité, il permet de construire des univers visuels précis, sans contrainte extérieure.

Dans cette logique, le plateau devient un terrain d’expérimentation. Lumière, fond et mise en scène s’ajustent rapidement. Cette flexibilité est essentielle pour des projets à forte direction artistique.

Pour découvrir d’autres productions réalisées dans cet environnement, explorez la section éditorial. Vous pouvez également en apprendre plus sur les spécificités du studio Le Canal.

Une vision collective au service de l’image

Enfin, ce projet repose sur une équipe créative complète. Photographe, styliste, hair artist et maquilleurs collaborent étroitement. Chaque intervention enrichit la direction initiale.

Cette synergie permet de produire des images cohérentes et puissantes. Le projet devient alors un véritable terrain d’expression collective.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Direction artistique : Atelier Outrage 
Photographie : Saint Ambroise 
Styling : Romy Bzzl 
Hair : Kenzo Hairstylist
Assistant hair : Neffa
Makeup : Eva Ramirez  & Alexandra Delvallé 
Assistant lumière :Ronan Chartrain

Digital operator : Titouan Lepeutrec 
Post-production : Romario Maheer
Production : LaCorp Art

Ambrosia : immersion dans une production mode beauté

La société de production  Ambrosia se découvre dans le rythme d’un tournage. Dès l’entrée sur le plateau, une énergie s’installe. Les équipes circulent. Les lumières chauffent. L’image est déjà en train de se construire.

Derrière cette mécanique, il y a une rencontre. Celle de Simon Chantrait et Valentin Koste, qui se rencontrent à l’école. Très vite, une vision commune émerge. Ensemble, ils fondent Ambrosia en 2019, au moment où les formats digitaux redéfinissent les rythmes de production.

Depuis, la structure évolue dans les univers du luxe et du cosmétique. Elle développe une approche agile, pensée pour répondre aux exigences actuelles. Pourtant, ce n’est pas l’image finale qui définit leur travail. C’est ce qui se joue avant.

Un plateau en mouvement constant

Rien n’est figé. Dès les premières minutes, le plateau s’organise, les techniciens installent, les cadres se dessinent et les premiers essais lumière apparaissent.

Ambrosia construit ses images dans ce flux. Ils observent, ajustent, recadrent. Ainsi, chaque décision est immédiate. Le regard circule entre le set et le moniteur. Par conséquent, l’image évolue en permanence.

Une précision presque invisible

Dans l’univers cosmétique, tout se joue à quelques millimètres. Une brillance trop forte, une ombre mal placée, une texture qui ne capte pas la lumière.

Alors, les gestes se répètent. Une main ajuste un réflecteur, une autre repositionne un produit, le cadre se resserre.

Cependant, rien ne paraît forcé. Au contraire, la précision devient fluide. Elle s’intègre dans le rythme du plateau.

Ainsi, l’image se construit par micro-ajustements successifs.

Plusieurs réalités dans un même espace

Sur un tournage Ambrosia, plusieurs scènes coexistent. D’un côté, la mise en beauté. De l’autre, la caméra. Entre les deux, une circulation constante.

Les équipes avancent en parallèle. Pourtant, tout reste synchronisé. Chaque action répond à une autre.

Par conséquent, le plateau fonctionne comme un système. Rien n’est isolé.

L’espace comme outil de production

Sur certaines productions, le rythme s’intensifie, les besoins se multiplient. Vidéo, packshots produits et contenus avec mannequin doivent coexister.

Parfois Ambrosia développe une organisation en triple set. Trois espaces distincts sont activés simultanément. D’un côté, la vidéo se tourne. De l’autre, les produits sont shootés. Enfin, un troisième espace accueille les prises avec talent.

Par conséquent, le plateau devient une structure en mouvement. Les équipes circulent entre les sets. Les rôles se synchronisent. Chaque image s’inscrit dans une continuité globale.

Cependant, cette organisation exige un espace adapté. Tous les plateaux ne permettent pas ce type de déploiement.

Le plateau Le Canal offre justement cette possibilité. Grâce à ses grands volumes et son cyclo de 15m de large, plusieurs configurations peuvent coexister sans se contraindre. Lumière, caméra et direction artistique s’installent durablement.

Ainsi, le triple set ne fragmente pas la production. Au contraire, il la structure. Il permet de produire différents contenus pour une même marque, dans une seule dynamique de tournage.

Une tension entre contrôle et instinct

Au fil des prises, le rythme s’accélère. Les décisions deviennent plus rapides, pourtant, la précision reste constante.

Chaque image repose sur un équilibre, d’un côté, une maîtrise technique, de l’autre, une forme d’instinct.

Ainsi, Ambrosia construit ses productions dans cette tension. Le contrôle cadre l’image mais c’est l’énergie du plateau qui lui donne sa vibration.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Production : Ambrosia films
Réalisation : Simon Chantrait & Valentin Koste

THIS SUCKS : la tétine comme manifeste visuel

La série THIS SUCKS pour Love Magazine impose une esthétique radicale. Dès les premières images, la tétine devient un point de fixation. Le regard ne s’échappe pas. Au contraire, il reste captif. Cette direction visuelle forte structure tout l’édito. Elle installe immédiatement une tension.

Une esthétique frontale et minimaliste

D’abord, le cadrage est serré. Les visages occupent tout l’espace. Ainsi, chaque détail devient essentiel. La peau, les regards, les textures sont amplifiés. De plus, les fonds restent neutres. Ce choix renforce la lisibilité. Il élimine toute distraction.

Cependant, cette simplicité apparente cache une construction précise. Les silhouettes sont sculptées par la lumière. Les matières jouent un rôle clé. Fourrure brillante, maille dense ou coton lisse : tout contraste. Chaque élément accentue la présence du modèle.

Cette approche visuelle fait écho à d’autres projets visibles dans la rubrique éditoriale du studio, où l’image reste toujours centrale.

La tétine, symbole de tension contemporaine

Ensuite, la tétine s’impose comme un symbole central. Elle évoque immédiatement l’enfance. Pourtant, ici, elle dérange. Elle glisse hors de son contexte habituel. Elle devient un objet déplacé.

D’ailleurs, ce décalage crée une tension visuelle forte, le corps est adulte, le regard est affirmé. Cependant, la bouche est neutralisée et la parole semble empêchée. Ainsi, l’image questionne directement notre capacité à nous exprimer.

De plus, la tétine agit comme un filtre émotionnel. Elle suggère une forme de retrait ou un besoin de protection. Mais en même temps, elle expose une vulnérabilité. Cette dualité nourrit toute la série.

Par ailleurs, ce symbole résonne avec une réalité contemporaine. Aujourd’hui, certains adultes adoptent ces objets pour apaiser leur anxiété. Le geste peut sembler anodin. Pourtant, il révèle une fatigue collective et traduit une saturation du réel.

Ainsi, la tétine devient un signe générationnel. Elle incarne une forme de régression consciente. Non pas comme fuite, mais comme stratégie. Une manière de ralentir. De reprendre le contrôle.

Cependant, l’édito ne donne jamais de réponse claire. Il ne moralise pas. Au contraire, il laisse planer une ambiguïté. Est-ce un refuge ? Une critique ? Ou un simple geste esthétique ?

Enfin, en répétant ce motif, la série construit un langage. Chaque visage devient une variation. Chaque tétine raconte une nuance. Ensemble, elles composent un récit silencieux. Un récit profondément ancré dans son époque.

Des contrastes visuels puissants

Par ailleurs, la série joue avec les oppositions. Le rouge vif dialogue avec des tons neutres. Le noir impose une rigueur. Le pastel adoucit l’ensemble. Pourtant, cette douceur reste ambiguë.

Les accessoires renforcent cette tension. Une tétine devient bijou. Une autre devient presque une contrainte. Les écouteurs, les lunettes ou les éléments décoratifs détournent les codes. Ils créent une narration silencieuse.

Ainsi, chaque image construit un univers. Pourtant, l’ensemble reste cohérent. La répétition du motif central unifie la série. Elle crée un langage visuel commun.

Une narration figée mais expressive

Enfin, les poses restent statiques. Les modèles regardent souvent l’objectif. Ce face-à-face est direct. Il engage le spectateur. Il crée un dialogue silencieux.

Cependant, l’émotion circule. Elle passe par les regards. Par les textures. Par les contrastes. Rien n’est laissé au hasard. Chaque image semble suspendue. Pourtant, elle raconte une histoire.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

“THIS SUCKS” with @shaoul.avital for @lovemagazine

Photography @melissadearaujo
Styling @shaoul.avital
Models @anasofianegru at @silent_paris, @akuoldengatem at @ouimanagement,
@maylis.lebrun at @imgmodels, @lanshuqii_ at @silent_paris, John Mesa at @thefaceparis,
@estebanmonbaliu at @noahmgmt, @baptiste_vivo at @mmanagementmodels, and
@nimalucas at @mmanagementmodels
Hair @rogercho2000 at @artlistparisnewyork
Make up @porschepoon at @totalworld
Nails @alexfeller
Set Design @pierre.vllnt at @deniseagency
Videography @melissadearaujo
Photography Assistant @gregpths and @baz_hml
Production @arianecdf and @bylounn
Post Production @yunakersale and @sandrobskp
Styling Assistant @carlotavivesg
Hair Assistants @akn_1025 and Sundia
Nails Assistant @bettyann_bethencourt
Casting Director @dmcasting
Creative Director @juancp
Chief Executive Officer @nordineb
Chief Content Officer @valeriedumont
Editorial Director @kaci0n
Fashion Director @taticotliar
Visual Direction @studio.demi

BAZAAR Germany : une esthétique minimaliste portée par le stylisme

Publié par BAZAAR Germany, ce shooting signé Pierre-Alban De Fontenay  représenté par @openspaceparis propose une vision épurée et contemporaine de la mode. En effet, le magazine met ici en avant une esthétique minimaliste, construite autour de silhouettes nettes, de lignes précises et d’un stylisme rigoureux signé Kai Margrander.

Les silhouettes dialoguent dans des compositions en miroir. Elles évoluent dans un espace lumineux et presque abstrait. Ainsi, cette mise en scène renforce une sensation de calme et de tension à la fois, où chaque posture devient signifiante.

Un stylisme structuré et une vision contemporaine

La palette, volontairement sobre, laisse place à des contrastes subtils entre les matières et les lignes. De plus, les vêtements prolongent les corps plutôt que de les dominer. Le stylisme construit ainsi une silhouette nette et graphique.

Pierre-Alban De Fontenay adopte une approche retenue et introspective. Les gestes sont mesurés. Ainsi, une narration silencieuse s’installe, laissant toute sa place au stylisme.

À travers cette série, BAZAAR Germany affirme une mode plus conceptuelle. Par ailleurs, le dialogue entre image et stylisme dessine une écriture visuelle sobre et actuelle.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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