Thomas Braut, photographe des campagnes TF1

Une photographie pensée pour raconter une histoire

Avant même la diffusion d’une série ou d’une émission, une image doit capter l’attention. C’est précisément le rôle du photographe. En quelques heures, Thomas Braut crée des portraits capables d’incarner un univers, une personnalité et une identité visuelle.

Son travail accompagne ainsi de nombreuses productions de TF1. On retrouve sa signature sur les campagnes d’Alter Ego, Flashback, Les Traîtres, The Voice, Top Chef, Danse avec les Stars ou encore La Belle et le Boulanger. Chaque affiche possède son propre langage graphique tout en conservant une même exigence de lumière et de composition.

Cependant, derrière ces campagnes visibles par des millions de téléspectateurs se cache un travail minutieux. Chaque séance repose sur un dialogue entre le photographe et la personnalité photographiée afin de construire une image juste, expressive et immédiatement lisible.

Le portrait comme fil conducteur

Contrairement aux productions réunissant plusieurs dizaines de personnes, Thomas Braut travaille le plus souvent autour d’une seule personnalité. Qu’il photographie un acteur, un comédien, un chanteur ou un animateur, chaque portrait devient une véritable mise en scène.

La lumière occupe une place essentielle. Elle souligne les expressions, modèle les volumes et renforce l’identité du personnage. Le regard, la posture ou encore les couleurs participent également à la narration. Rien n’est laissé au hasard.

Cette approche explique pourquoi ses campagnes conservent une forte cohérence visuelle malgré des univers très différents. Une fiction, une émission de divertissement ou un programme de télévision nécessitent chacun une esthétique particulière. Pourtant, ses images restent immédiatement identifiables grâce à une écriture photographique à la fois sobre, élégante et efficace.

Le plateau La Campagne, un environnement au service du portrait

Lorsque Thomas Braut installe son matériel au plateau La Campagne, il retrouve un espace qu’il connaît bien. Accompagné d’un assistant photographe, il adapte rapidement son installation selon les besoins de chaque personnalité photographiée.

Cette liberté lui permet de construire différents schémas de lumière, de modifier facilement les décors et de faire évoluer la direction artistique au fil de la séance. L’objectif reste toujours le même : obtenir une image forte qui servira ensuite à la communication d’une émission ou d’une série.

Pour découvrir d’autres productions photographiques réalisées dans les studios, retrouvez notre sélection d’articles dans la rubrique <a href= »https://studiolabriquerouge.com/category/edito/ »>Édito</a>. Vous pouvez également découvrir <a href= »https://studiolabriquerouge.com/studio-la-campagne/ »>le plateau La Campagne</a>, régulièrement choisi pour des shootings éditoriaux, des portraits et des campagnes de communication.

Le plateau La Campagne, un écrin pour la photographie éditoriale

Ce type de production trouve naturellement sa place sur le plateau La Campagne du Studio La Brique Rouge. Son environnement permet de construire des images épurées tout en laissant une grande liberté aux équipes créatives.

La lumière y est facilement maîtrisable. Les espaces accueillent confortablement les postes maquillage, coiffure, stylisme et retouche. Cette organisation favorise des journées de production fluides, particulièrement adaptées aux éditoriaux beauté où chaque détail compte.

Pour découvrir cet espace, consultez le <a href= »https://studiolabriquerouge.com/studio-la-campagne/ »>plateau La Campagne</a>. Vous pouvez également retrouver d’autres productions mode et beauté dans les <a href= »https://studiolabriquerouge.com/category/edito/ »>éditos du Studio La Brique Rouge</a>.

Une signature photographique au service des productions TF1

Dans un paysage où l’image joue un rôle essentiel, Thomas Braut rappelle qu’un portrait est bien plus qu’une simple photographie. Chaque campagne demande de trouver le juste équilibre entre la personnalité du sujet, l’univers du programme et les attentes de la direction artistique.

Son travail ne se limite pas à illustrer une émission. Il contribue à façonner son identité visuelle, à attirer le regard et à installer un imaginaire dès la première image. Cette capacité à raconter une histoire à travers un portrait fait aujourd’hui partie de sa signature et explique pourquoi il accompagne depuis plusieurs années les campagnes de nombreuses productions du groupe TF1.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits photos : Thomas Braut

Rui Faria signe une série beauté vibrante pour le numéro de juillet de Vogue Thaïlande au Studio La Brique Rouge

Une photographie beauté pensée comme une palette de couleurs

Parue dans le numéro de juillet de Vogue Thaïlande, cette série fait de la couleur son fil conducteur. Dès la couverture, le ton est donné. Un regard souligné d’un bleu électrique dialogue avec une silhouette immaculée. Ensuite, les images multiplient les contrastes sans jamais perdre leur équilibre. Les lèvres rouge profond répondent à des fards rosés, tandis que les ombres brunes, les bleus intenses et les nuances prune composent un univers parfaitement cohérent.

Cette approche transforme le maquillage en véritable élément de construction de l’image. Chaque couleur accompagne les vêtements, les accessoires et la lumière. Ainsi, les portraits dépassent la simple démonstration beauté pour devenir de véritables photographies de mode.

Le mannequin Xue Huizi porte cette narration visuelle avec une grande justesse. Tour à tour puissante, délicate ou mystérieuse, elle donne une identité propre à chaque silhouette. Son regard, toujours très présent, renforce l’impact graphique de cette série.

Quand le maquillage dialogue avec la mode

L’éditorial repose sur une idée simple : créer une harmonie entre le maquillage, les vêtements et les matières. Les silhouettes mêlent cuir, satin, plumes, dentelle ou encore coton structuré. Chaque texture prolonge le travail des couleurs et participe à l’équilibre général des images.

Les produits de beauté deviennent eux aussi des objets photographiques. Rouges à lèvres, pinceaux et palettes sont mis en scène avec la même exigence esthétique que les portraits. Ils rythment l’éditorial tout en renforçant son identité graphique.

Une lumière précise au service de la beauté

Le style de Rui Faria repose sur une parfaite maîtrise de la lumière. Les ombres restent franches sans durcir les traits. Les carnations conservent tout leur naturel. Enfin, les textures des tissus comme celles du maquillage demeurent parfaitement lisibles.

Ce choix esthétique apporte beaucoup de relief aux images. Les fonds blancs mettent toute l’attention sur les volumes, les expressions et les jeux de matières. Rien ne détourne le regard de l’essentiel.

Cette précision technique fait partie de la signature du photographe. Elle explique aussi pourquoi ses séries conservent une identité forte, qu’elles soient consacrées à la mode ou à la beauté.

Le plateau La Campagne, un écrin pour la photographie éditoriale

Ce type de production trouve naturellement sa place sur le plateau La Campagne du Studio La Brique Rouge. Son environnement permet de construire des images épurées tout en laissant une grande liberté aux équipes créatives.

La lumière y est facilement maîtrisable. Les espaces accueillent confortablement les postes maquillage, coiffure, stylisme et retouche. Cette organisation favorise des journées de production fluides, particulièrement adaptées aux éditoriaux beauté où chaque détail compte.

Pour découvrir cet espace, consultez le <a href= »https://studiolabriquerouge.com/studio-la-campagne/ »>plateau La Campagne</a>. Vous pouvez également retrouver d’autres productions mode et beauté dans les <a href= »https://studiolabriquerouge.com/category/edito/ »>éditos du Studio La Brique Rouge</a>.

Une vision contemporaine de la beauté

Avec cette série publiée dans le numéro de juillet de Vogue Thaïlande, Rui Faria démontre qu’une photographie de beauté peut raconter bien plus qu’une tendance maquillage. Les couleurs deviennent un véritable langage visuel. Les silhouettes prennent une dimension presque sculpturale. Enfin, la lumière, les matières et les expressions composent un ensemble d’une grande cohérence esthétique.

Au fil des pages, cette production affirme une vision de la beauté contemporaine où l’élégance naît autant de la précision technique que de l’audace créative.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Photographe : Rui Faria
Stylisme : Guillem Chanza
Mannequin : Xue Huizi @Premium Models
Maquillage : Thomas Lorenz
Coiffure : Quentin Guyen
Production : Open Space Paris
Publication : Vogue Thaïlande, numéro de juillet

Dans les coulisses du défilé Automne-Hiver 2026/2027 de Robert Wun : une semaine de préparation au Studio La Brique Rouge – Plateau Le Canal

Quelques minutes suffisent pour marquer une Fashion Week. Pourtant, avant que les silhouettes de la collection Automne-Hiver 2026/2027 n’apparaissent sous les projecteurs, une autre histoire s’écrit loin des regards. Celle des essayages, des derniers ajustements, de la coordination des équipes et de toute une organisation qui précède le spectacle.

Avant de présenter sa nouvelle collection lors de la Fashion Week Automne-Hiver 2026/2027 à Paris, la maison Robert Wun a installé son quartier général au Studio La Brique Rouge sur le plateau Le Canal. Pendant une semaine, les équipes ont investi les lieux afin de préparer un défilé où chaque détail comptait. Dans cet espace entièrement modulable, la création a pu s’organiser librement, sans contrainte, jusqu’au moment où les coulisses ont laissé place au podium.

Robert Wun, une haute couture pensée comme une mise en scène

Depuis la création de sa maison à Londres en 2014, Robert Wun développe une vision singulière de la haute couture. Son travail dépasse largement la confection d’un vêtement. Chaque collection est conçue comme un récit où volumes, matières, lumière et mouvement participent à une même mise en scène.

Les silhouettes dévoilées à Paris en sont l’illustration. Une robe blanche semble disparaître derrière une constellation de sphères translucides. Une silhouette bleu profond dialogue avec deux oiseaux immaculés. Plus loin, un tailleur rose monumental transforme les proportions du corps jusqu’à devenir une véritable architecture textile. Chaque création brouille la frontière entre couture, sculpture et performance artistique.

Cette identité forte explique pourquoi Robert Wun habille aujourd’hui certaines des plus grandes personnalités internationales. Cardi B, notamment, a récemment porté l’une de ses créations spectaculaires, confirmant le rayonnement de la maison bien au-delà du podium.

Mais avant ces images largement diffusées dans le monde entier, il existe une étape que le public ne voit jamais : celle de la préparation.

Pourquoi un défilé de cette ampleur nécessite un espace modulable

Une collection comme celle présentée par Robert Wun ne se résume pas aux quelques minutes passées sur le podium.

Pendant plusieurs jours, stylistes, habilleurs, production, direction artistique, maquilleurs, coiffeurs et équipes logistiques travaillent simultanément. Les silhouettes circulent d’un espace à l’autre. Les accessoires sont manipulés avec précaution. Les fittings s’enchaînent. Les plannings évoluent au fil des ajustements.

Lorsqu’une maison de couture prépare un défilé international, elle ne recherche pas seulement de la surface. Elle recherche un lieu capable de s’adapter à son organisation.

C’est dans cette logique que le Studio La Brique Rouge sur le plateau Le Canal a accueilli les équipes de Robert Wun pendant une semaine. Grâce à son vaste volume et à son mobilier entièrement mobile, le plateau a évolué chaque jour selon les besoins de la production. Les espaces dédiés aux essayages, aux réunions, aux repas ou encore à la logistique ont pu être réorganisés sans interrompre le travail des équipes.

Le lieu ne dicte pas une manière de travailler. Il accompagne simplement celle de la production qu’il accueille.

Le Plateau Le Canal, un outil au service de la création

Au fil des journées, le Plateau Le Canal change de visage. Les tables sont déplacées pour laisser place aux portants. Un espace devient une zone de fitting. Plus loin, les équipes créatives se réunissent pendant que la logistique poursuit son travail. Quelques heures plus tard, ces mêmes espaces accueillent les repas ou les derniers échanges avant une nouvelle réorganisation.

Rien n’est figé.

Cette capacité d’adaptation est essentielle lorsqu’une production rassemble plusieurs dizaines de personnes pendant plusieurs jours.

Plutôt que d’imposer une configuration, le plateau accompagne les besoins de chaque équipe. Cette flexibilité permet aux maisons de mode, aux productions et aux agences de construire leur propre organisation, sans compromis sur leur manière de travailler.

Découvrez le <a href= »https://studiolabriquerouge.com/studio-le-canal/ »>Plateau Le Canal</a>, un espace conçu pour accueillir des productions éditoriales, des campagnes, des événements et des préparations de projets d’envergure.

Quelques minutes de spectacle, une semaine de préparation

Lorsque les lumières s’éteignent et que le premier mannequin entre en scène, le public découvre le résultat d’un travail resté invisible.

Les silhouettes présentées par Robert Wun impressionnent autant par leur construction que par leur puissance visuelle. Les volumes translucides captent la lumière et semblent flotter autour du corps. Les compositions florales et les cristaux prolongent les lignes des vêtements. Les oiseaux qui accompagnent certaines silhouettes renforcent la sensation d’assister à une scène suspendue entre rêve et réalité.

Chaque passage est pensé comme une image.

Quelques jours plus tard, cet univers poursuit son histoire en dehors du podium. Les créations de Robert Wun apparaissent sur les tapis rouges internationaux, portées par des personnalités comme Cardi B, qui prolongent le dialogue entre haute couture et culture contemporaine.

Pour le public, il ne reste que quelques minutes de défilé.

Pour les équipes, ces images sont l’aboutissement d’une semaine entière de préparation.

Quand les coulisses deviennent le point d’ancrage d’un défilé

La réussite d’un défilé repose autant sur la création que sur l’organisation qui l’accompagne.

Accueillir une maison de couture internationale pendant plusieurs jours demande un lieu capable d’évoluer avec elle. Les besoins changent d’une heure à l’autre. Les espaces doivent suivre ce rythme sans ralentir le travail des équipes.

Pendant une semaine, le Studio La Brique Rouge sur le plateau Le Canal est devenu ce point d’ancrage. Son volume, sa modularité et son agencement ont permis aux équipes de façonner leur propre organisation avant que toute cette préparation ne disparaisse derrière quelques minutes de spectacle.

Retrouvez d’autres productions accueillies au <a href= »https://studiolabriquerouge.com/category/edito/ »>Studio La Brique Rouge</a> ou découvrez les <a href= »https://studiolabriquerouge.com/actualites/ »>actualités</a> qui mettent en lumière les projets réalisés dans nos espaces.

Là où les défilés commencent vraiment

Le public retient les silhouettes qui traversent le podium. Pourtant, leur histoire débute bien avant l’ouverture du show.

Pendant une semaine, le Studio La Brique Rouge sur le plateau Le Canal est devenu le point d’ancrage de la préparation du défilé Automne-Hiver 2026/2027 de Robert Wun. En offrant un espace entièrement modulable, capable d’évoluer au rythme des équipes, il a accompagné une production internationale sans jamais prendre le dessus sur la création.

C’est sans doute là sa plus grande qualité : permettre aux maisons de mode de construire leur propre organisation avant que les coulisses ne s’effacent au profit du spectacle.

Parce que les plus grands défilés ne naissent pas uniquement sous les projecteurs, ils commencent souvent dans un lieu pensé pour accueillir tout ce qui les précède.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits photos : Maison Robert Wun – Défilé Automne-Hiver 2026/2027, Paris Fashion Week.

Chaque projet révèle une histoire différente. Au Studio La Brique Rouge, nos espaces accompagnent les productions là où tout commence : dans les coulisses de la création.

En Équilibre x Cartier : quand Harper’s Bazaar révèle l’art de la haute joaillerie

Avec En Équilibre, Cartier signe une collection de haute joaillerie où chaque création semble défier les lois de la gravité. Pensée autour de l’harmonie des formes et de la tension des volumes, elle illustre l’excellence du savoir-faire joaillier de la Maison. À travers une série photographique réalisée pour Harper’s Bazaar, cet univers prend forme dans des images où chaque bijou devient le point d’équilibre d’une composition parfaitement maîtrisée.

En Équilibre : la recherche de l’harmonie parfaite selon Cartier

Présentée comme un dialogue entre rigueur et fluidité, la collection En Équilibre explore la manière dont la haute joaillerie peut créer une sensation de mouvement à partir de structures extrêmement précises. Chaque pièce semble trouver son point de tension idéal. Rien n’est laissé au hasard, pourtant l’ensemble conserve une impression de spontanéité.

Cette approche se traduit par des compositions où les pierres précieuses paraissent presque en suspension. Les diamants dessinent des lignes d’une grande pureté. Les saphirs apportent une profondeur magnétique. Les émeraudes et les rubis introduisent des accents vibrants. Cependant, rien ne paraît figé. Au contraire, les bijoux semblent évoluer avec le corps. Cette sensation de fluidité constitue l’une des signatures les plus fortes de la collection.

Plus qu’une démonstration de virtuosité technique, En Équilibre traduit une philosophie chère à Cartier : atteindre une forme d’évidence visuelle. Les pierres semblent suspendues. Les volumes paraissent naturels. Pourtant, chaque détail résulte d’un équilibre minutieusement calculé entre poids, proportions et lumière.

L’architecture invisible de la haute joaillerie Cartier

L’équilibre n’est pas seulement une idée esthétique. Il est également un exploit technique. Les artisans Cartier cherchent à faire disparaître la structure pour ne laisser apparaître que la beauté du geste et de la pierre.

Cette démarche se retrouve dans les colliers articulés, les pendentifs suspendus ou encore les compositions géométriques qui traversent la collection. Les lignes restent nettes. Les proportions sont rigoureuses. Pourtant, les pièces conservent une impression de légèreté remarquable.

Ainsi, Cartier transforme la haute joaillerie en véritable exercice d’équilibre. La maîtrise technique s’efface derrière l’émotion visuelle. Chaque création donne l’impression d’échapper à la gravité tout en conservant une présence spectaculaire.

Harper’s Bazaar met en scène la collection

Pour traduire cet univers, Harper’s Bazaar choisit une esthétique volontairement épurée. Les photographies reposent sur des arrière-plans lumineux et des tons délicats. Les silhouettes se construisent autour de volumes sculpturaux qui prolongent les lignes des bijoux.

Les robes blanches aux plis architecturés répondent à l’éclat des diamants. Les silhouettes aux teintes pastel accompagnent les pierres colorées sans jamais détourner l’attention. De plus, les cadrages rapprochés permettent d’observer chaque détail de fabrication.

Cette retenue visuelle renforce la puissance des créations. Le regard est guidé vers les pierres. Chaque image devient alors une extension du travail réalisé par les ateliers Cartier.

Quand la photographie révèle le mouvement des pierres

La force de cette série réside dans sa capacité à donner vie aux bijoux. Les poses restent contrôlées. Pourtant, une sensation de mouvement traverse les images. Les pendentifs semblent osciller. Les cascades de diamants paraissent suspendues dans le temps. Les pierres de couleur captent la lumière avec une intensité presque irréelle.

Les photographies traduisent ainsi l’idée centrale d’En Équilibre : trouver la juste tension entre stabilité et mouvement. Entre puissance et délicatesse. Entre savoir-faire technique et émotion.

Cette recherche d’épure et de précision rappelle certaines productions publiées dans les éditoriaux mode du studio, où la lumière et la composition deviennent les premiers outils du récit visuel.

Par ailleurs, ce type de production joaillière exige bien plus qu’un simple espace de prise de vue. La présence de pièces de haute joaillerie nécessite un environnement parfaitement maîtrisé, aussi bien sur le plan logistique que sécuritaire. Grâce à sa configuration indépendante et à ses conditions d’accueil adaptées aux productions exigeantes, le Studio La Campagne permet de recevoir ce type de shooting dans un cadre discret, sécurisé et entièrement privatisable. Un atout essentiel lorsque chaque déplacement, chaque manipulation et chaque minute de présence des bijoux font l’objet d’une attention particulière.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Photographe : Alfonso Anton Cornelis
Model : Eduarda Muelhmann
Stylist : Anna Castan
Stylist assistant : Clara Devillet
Hair stylist : Hiromi Nishinaka
Makeup : Marion Robine for @callisteagency
Nail artist : Sophie A. for @callisteagency
Casting director : Shawn Dezan

DUST China x Alisa Volskaya : l’élégance du pouvoir silencieux

La série réalisée pour le numéro 5 de DUST China explore une idée rare dans l’image de mode contemporaine : celle d’une présence qui s’impose sans jamais chercher à dominer. À travers cette histoire visuelle photographiée par Charlotte Navio, Alisa Volskaya incarne une féminité construite sur la maîtrise, l’instinct et la retenue.

Au fil des images, une atmosphère singulière s’installe. Les silhouettes prennent place dans un décor minimaliste qui laisse toute sa place aux matières, aux attitudes et aux jeux de lumière. Les contrastes structurent l’image sans jamais l’alourdir, tandis qu’une impression de maîtrise discrète traverse l’ensemble de la série. Rien n’est démonstratif : tout repose sur un équilibre subtil qui capte naturellement le regard.

Alisa Volskaya, une figure de la féminité contemporaine

Cette histoire pour DUST China s’articule autour d’une personnalité qui dépasse le simple statut de mannequin. Alisa Volskaya appartient à cette génération de femmes qui construisent leur propre narration. Fondatrice et stratège créative, elle incarne une vision où l’image dialogue avec l’intelligence, l’indépendance et la direction artistique. Elle est également connue pour avoir été directrice exécutive de la Naked Heart Foundation en France, une organisation caritative fondée par le mannequin et philanthrope russe Natalia Vodianova, un engagement qui témoigne de son intérêt pour les projets à fort impact social.

Ainsi, sa présence donne une profondeur particulière à la série. Chaque regard paraît réfléchi. Chaque posture semble guidée par une intention. Le pouvoir n’est jamais démonstratif. Il apparaît dans les gestes les plus simples, dans une attitude ou dans une manière d’occuper l’espace.

Une série mode entre force et précision

Les photographies alternent entre noir et blanc graphique et images couleur lumineuses. Cette construction crée un rythme visuel particulièrement efficace. D’un côté, les silhouettes sombres évoquent une élégance presque sculpturale. De l’autre, les couleurs révèlent la richesse des matières, des bijoux et des accessoires.

Par ailleurs, le stylisme accompagne cette dualité avec justesse. Les volumes se déploient puis se resserrent. Les tissus fluides répondent aux lignes plus architecturales. Les détails précieux apparaissent sans jamais prendre le dessus sur le personnage central.

Cette approche rejoint d’autres productions présentées dans notre rubrique éditoriale mode, où la photographie devient un véritable langage narratif.

Le regard de Charlotte Navio

La photographie de Charlotte Navio repose sur un équilibre subtil. D’une part, les cadrages restent très épurés. D’autre part, chaque image conserve une forte charge émotionnelle.

Les gros plans révèlent les textures, les mouvements de cheveux et les expressions fugitives. Ensuite, les portraits en pied redonnent de l’ampleur aux silhouettes. Cette alternance crée une tension constante entre proximité et distance.

De plus, les images backstage dévoilées autour du projet soulignent la précision de la construction photographique. Derrière l’apparente simplicité des fonds blancs, chaque mouvement, chaque lumière et chaque détail participent à l’identité de la série.

DUST China et l’esthétique de la présence

Au-delà de la mode, cette histoire publiée dans le numéro 5 de DUST China questionne la notion même de présence. Il ne s’agit pas uniquement de vêtements ou d’accessoires. Il s’agit d’une manière d’être.

Ainsi, Alisa Volskaya devient le fil conducteur d’un récit visuel où l’élégance se mesure moins à l’apparence qu’à l’attitude. Une vision contemporaine du pouvoir féminin, silencieuse mais parfaitement assumée.

Pour découvrir d’autres projets photographiques réalisés en studio, explorez également nos actualités ainsi que notre sélection d’articles consacrés au portrait éditorial.

Les productions les plus marquantes sont souvent celles qui laissent une impression durable sans jamais en faire trop. Cette série pour DUST China en est une démonstration particulièrement élégante.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio Le Canal.

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Crédits

Talent — Alisa Volskaya
Photographe — Charlotte Navio
Stylisme — Justine Bleicher
Make-up — Ruby Mazuel
Hair — Ben Mignot
Assistantes stylisme — Alyson Allaire, Charlyne Perez

Zahia pour Apart Publication : une icône pop entre glamour et mise en scène

Zahia pour Apart Publication prend la forme d’un éditorial audacieux où la mode rencontre la fiction. Photographiée par Camille Mompach, la couverture et la série d’images construisent un univers visuel théâtral. Chaque photographie semble appartenir à un décor de cinéma. Pourtant, rien n’est totalement réaliste. Tout repose sur le jeu, l’exagération et la transformation.

Une vision photographique entre argentique et mise en scène

Dès les premières images, Camille Mompach impose une écriture visuelle reconnaissable. Le surcadrage, les bordures apparentes et les références à l’argentique donnent une texture particulière à la série. Ainsi, les photographies semblent provenir d’un autre temps.

Cependant, cette esthétique rétro dialogue avec une approche très contemporaine. Les lumières restent visibles. Les ventilateurs, les projecteurs et certains éléments techniques apparaissent dans le cadre. Cette mise à nu du dispositif renforce l’impression de spectacle. L’image révèle autant le personnage que sa fabrication.

Par ailleurs, cette approche fait écho à d’autres productions photographiques présentées dans notre rubrique éditoriale, où la scénographie participe pleinement à la narration visuelle.

Zahia, personnage central d’un univers extravagant

Dans cette série, Zahia ne joue pas simplement son propre rôle. Elle incarne plusieurs figures. Tantôt star hollywoodienne en coulisses, tantôt diva de cabaret ou héroïne pop, elle traverse les images avec une grande liberté.

Son visage devient un terrain d’expression. Les regards changent. Les attitudes évoluent. De plus, chaque posture participe à la construction d’un personnage différent. Cette capacité à naviguer entre plusieurs registres nourrit la richesse de l’éditorial.

Ainsi, la série ne cherche jamais le réalisme. Au contraire, elle revendique l’artifice comme langage esthétique.

Un stylisme spectaculaire au service de l’image

Le stylisme imaginé par Diane Serfati amplifie cette dimension théâtrale. Corsets ornés, volumes exagérés, accessoires sculpturaux et silhouettes inattendues composent un vestiaire spectaculaire.

Ensuite, le travail de coiffure réalisé par Dorian Jollet joue un rôle essentiel. Les coiffures blond platine évoquent les icônes hollywoodiennes des années 1950. À l’inverse, certaines silhouettes adoptent des lignes plus graphiques et expérimentales.

Le maquillage signé Lorel Encoriton accentue encore cette tension. Les yeux sont intensément dessinés. Les matières brillent sous la lumière. Chaque détail participe à la création d’une image volontairement excessive et assumée.

Entre intimité et construction visuelle

Le décor imaginé par Joseph Hoffmann participe pleinement à l’atmosphère de la série. Les panneaux boisés, la moquette rouge et les accessoires rétro créent un espace volontairement réduit. Rien ne cherche à impressionner par la démesure. Au contraire, chaque élément semble rapprocher le regard du personnage.

Cette proximité renforce la présence de Zahia. Les images donnent parfois l’impression d’observer une scène privée, comme un instant volé entre deux représentations. Pourtant, tout est soigneusement composé. La lumière, les matières et les volumes dialoguent avec le stylisme pour construire un univers cohérent.

Cette approche trouve naturellement sa place au sein du Studio La Campagne. Son équilibre entre volume de travail et atmosphère plus confidentielle permet aux équipes créatives de développer des décors immersifs sans perdre la proximité nécessaire à ce type de narration photographique.

Le reste de la série repose d’ailleurs sur cette tension permanente : une image spectaculaire dans sa forme, mais construite autour d’une sensation d’intimité presque cinématographique.

Une couverture qui célèbre l’excès

Avec Zahia pour Apart Publication, Camille Mompach signe une série qui assume pleinement l’extravagance. L’argentique, le surcadrage, le stylisme et la scénographie se répondent dans un même mouvement. Rien n’est laissé au hasard.

Finalement, cette couverture transforme la mode en spectacle visuel. Elle rappelle que l’éditorial reste un espace de liberté, où l’image peut encore surprendre, provoquer et inventer de nouveaux personnages.

Entre glamour assumé, références rétro et mise en scène contemporaine, cette série démontre comment un décor maîtrisé peut devenir le prolongement naturel d’un personnage photographique.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Cover story for Apart Publication

Photographe — Camille Mompach
Assistant photographie — Manon Léauté
Second assistant photographie — Kelsey Hunter
Stylisme — Diane Serfati
Assistants stylisme — Antonin Roberge, Bella Hfake, Kajol Jain
Coiffure — Dorian Jollet
Assistant coiffure — Ben Avh
Maquillage — Lorelen Coriton
Décors — Joseph Hoffmann
Assistant décors — Sofia Khier
Prop Styling — Isabelle Plan
Production — Young Meyer Lansky in Paris, Lucie Mabit, Paris Décors Production

Dior Haute Couture pour Nu Icons Magazine : une esthétique florale signée Carla Coste

Une vision couture pensée comme une image totale

Pour la cover story de Nu Icons Magazine, Carla Coste imagine une série Dior Haute Couture où le stylisme devient une véritable construction visuelle. Dès les premières images, l’univers s’impose. Les fleurs monumentales dialoguent avec les silhouettes. Les volumes couture prolongent les lignes du corps. Ainsi, chaque photographie fonctionne comme une composition autonome.

Le fond minimaliste joue un rôle essentiel. Rien ne vient distraire le regard. Au contraire, les textures, les couleurs et les matières prennent immédiatement toute la place. Les rouges profonds répondent aux noirs intenses. Puis, les verts lumineux installent une atmosphère presque irréelle.

Cette esthétique crée une tension élégante entre nature et sophistication. Pourtant, l’ensemble reste fluide. Les poses conservent du mouvement. Les silhouettes semblent évoluer dans un décor vivant.

Le stylisme Dior comme moteur narratif

Dans cette série Dior Haute Couture, le stylisme construit le récit autant que l’image. Florian Sudres développe une approche où chaque silhouette devient sculpturale. Les robes semblent dessinées autour du mouvement. De plus, les matières apportent une sensation presque organique.

Les volumes noirs rappellent des pétales en expansion. À l’inverse, les silhouettes blanches introduisent une légèreté plus aérienne. Certaines pièces paraissent flotter autour du mannequin. D’autres structurent fortement la posture.

Les accessoires floraux renforcent également cette mise en scène. Les fleurs géantes deviennent des partenaires de jeu. Elles modifient les proportions. Elles créent une forme d’exagération poétique typique des grandes productions mode éditoriales.

Cette recherche esthétique trouve naturellement sa place dans des espaces capables d’accueillir des décors ambitieux et des productions couture d’envergure, comme les shootings réalisés au Studio Le Canal ou dans les projets visibles dans la section édito.

Carla Coste et l’image couture contemporaine

Le regard de Carla Coste apporte à cette série une dimension très contemporaine. Son approche mélange photographie mode, direction artistique et composition graphique. Chaque image semble pensée avec précision. Pourtant, rien ne paraît figé.

Les cadrages alternent entre plans larges et détails plus intimes. Certaines photographies jouent sur l’échelle monumentale des fleurs. D’autres se concentrent sur la peau, le maquillage ou la lumière.

Cette alternance crée du rythme. De plus, elle permet au stylisme Dior de se transformer constamment au fil de la série. L’univers floral devient alors un terrain d’expérimentation visuelle.

Le travail de lumière participe aussi à cette esthétique. Les contrastes sculptent les corps sans alourdir l’image. Les matières brillent subtilement. Ainsi, la photographie conserve une élégance très éditoriale.

Une direction artistique entre couture et abstraction

Le set design imaginé par Solène Martinau joue un rôle central dans cette série. Les fleurs deviennent des architectures visuelles. Certaines dominent entièrement l’image. D’autres prolongent simplement une silhouette ou un geste.

Cette approche crée une sensation presque irréelle. Pourtant, l’univers reste cohérent grâce à une palette de couleurs très maîtrisée. Les verts saturés, les rouges profonds et les noirs couture installent une identité forte immédiatement reconnaissable.

L’ensemble évoque autant la photographie de mode contemporaine que certaines références plus artistiques. On retrouve une volonté de transformer le vêtement en objet visuel total. Cette approche se retrouve souvent dans les productions éditoriales et campagnes réalisées dans des studios dédiés aux univers mode et luxe, notamment dans les sections campagnes et actualités.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

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Crédits

Photography & Art Direction : Carla Coste
Styling : Florian Sudres
Set Design : Solène Martinau
Makeup : Jeanne Schneider
Hair : Anita Bujoli

Photo assistants :
Light : Ronan Chartrain &  Titouan Le Peutrec
Digital : Pierre Cathala

Model : Mabil Biliny from @women360mgmt

Casting Director : Marion Giovalucchi

Fashion Assistant : Evelyne Kuoch
Production : Gray Castillo @nuiconsmagazine @b3ss

Art Direction :  Lisa Rebeca & @clioham

Senior Fashion Editor : Rodrigo Diaz Russian

Publication : Nu Icons Magazine
Maison : Dior Haute Couture

Sofiane Pamart en couverture d’ONIRIQ : une vision musicale entre rêve et fiction

Pour son numéro de printemps, ONIRIQ consacre sa couverture à Sofiane Pamart. Une présence évidente. Depuis plusieurs années, le pianiste impose une écriture musicale singulière. Entre virtuosité classique et culture contemporaine, il construit un univers immédiatement identifiable. Ainsi, cette collaboration éditoriale prolonge naturellement son esthétique.

Pensée comme une immersion visuelle, la série joue avec les codes du rêve, du luxe et de la mise en scène surréaliste. Dès les premières images, Sofiane Pamart apparaît comme un personnage traversant plusieurs dimensions. Les décors numériques, les perspectives infinies et les silhouettes sculpturales créent une narration presque cinématographique.

Une esthétique suspendue entre réel et imaginaire

Dans cette série réalisée pour ONIRIQ Magazine, chaque image semble fonctionner comme une composition musicale. Les couleurs pastel répondent aux teintes nocturnes. De plus, les textures numériques renforcent l’impression d’irréalité. Pourtant, la présence de Sofiane Pamart reste très incarnée.

Le travail de la photographe construit un langage visuel précis. Les cadrages allongent les silhouettes. Les espaces deviennent monumentaux. Par ailleurs, les éléments flottants, nuages, escaliers, partitions ou paysages désertiques, évoquent un univers mental plus qu’un lieu réel.

Cette approche fait écho à la musique de Sofiane Pamart. Son piano navigue souvent entre mélancolie et puissance. Ici, l’image suit le même mouvement. Elle oscille entre douceur contemplative et tension dramatique.

Sofiane Pamart, figure à part dans la scène musicale contemporaine

Depuis ses débuts, Sofiane Pamart occupe une place singulière dans la musique française. Formé au conservatoire, il s’est pourtant éloigné des codes classiques traditionnels. À l’inverse, il développe une approche plus instinctive, plus visuelle et profondément contemporaine.

Ses projets mélangent les influences. Le rap dialogue avec le piano. La mode rencontre la musique. Le luxe côtoie une forme de solitude romantique. Grâce à cela, Sofiane Pamart dépasse largement le cadre du concert classique.

Cette couverture d’ONIRIQ traduit précisément cette hybridation. Le stylisme accentue la dimension sculpturale des silhouettes. Les accessoires futuristes renforcent quant à eux l’aspect presque irréel du personnage. Enfin, les compositions digitales ouvrent l’image vers un territoire proche du fantasme.

Une production pensée comme un univers total

La série repose sur une direction artistique particulièrement construite. Chaque détail participe à l’identité du projet. Le collage digital apporte une dimension immersive. En parallèle, le stylisme crée des volumes très graphiques.

Le studio devient alors un espace de projection. Les images ne cherchent pas le réalisme. Au contraire, elles assument pleinement une esthétique fictionnelle. Cette liberté visuelle permet de transformer le portrait en véritable narration éditoriale.

Dans cette logique, certains shootings réalisés au Studio Le Canal explorent également des productions hybrides mêlant photographie, vidéo et création digitale. Cette approche favorise des projets visuels ambitieux, pensés comme des univers complets.

Par ailleurs, d’autres séries éditoriales sont à retrouver dans les éditos du studio, entre photographie de mode, narration visuelle et expérimentations artistiques.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Photographe / DA : Nawel Odin
Producteur exécutif : Thomas Heisser
Texte : Désirée de Lamarzelle
Collage digital : Albane Simon
Stylisme : Charlotte Renard
HMC : Ada Nowakowska
Assistant lumière : Martin Cayssilié
Avec le soutien de Carrera

Raya Martigny : corps en suspension pour Lampoon Magazine

Dans cet éditorial réalisé pour Lampoon Magazine, Raya Martigny évolue dans un décor volontairement inachevé. Les matières brutes, les panneaux d’atelier et les surfaces de craft deviennent des extensions du corps. Dès les premières images, le projet construit une tension étrange. Rien ne semble totalement stable. Pourtant, chaque geste paraît précisément orchestré.

Pensé autour de la notion d’“Aphantasia”, le shooting photographié par Walter Pierre transforme le mouvement en mécanique suspendue. Le corps n’est plus seulement photographié. Il devient structure, matière et friction.

Alors que Raya Martigny continue d’imposer sa présence entre mode, cinéma et activisme, cet éditorial révèle aussi une autre facette de son langage visuel : une présence silencieuse, presque industrielle, qui dialogue avec l’espace autant qu’avec la caméra.

Une actualité forte entre Cannes et la mode

Cette année, Raya Martigny a marqué le Festival de Cannes par plusieurs apparitions remarquées. L’actrice et mannequin était notamment présente autour du film Les Matins merveilleux d’Avril Besson, présenté en Séance Spéciale. Elle y partage l’affiche avec India Hair et Éric Cantona.

Sa présence à Cannes confirme une trajectoire qui dépasse largement le cadre de la mode. Depuis plusieurs années, Raya Martigny construit un parcours hybride entre cinéma, performance et représentation queer. Révélée dans les univers de Mugler, Rick Owens ou Jean Paul Gaultier, elle développe également une pratique artistique plus personnelle autour de l’image et de l’identité.

Originaire de La Réunion, elle porte aussi un engagement fort autour des représentations LGBTQIA+. Avec le projet Kwir Nou Éxist, mené avec le photographe Édouard Richard, elle documente des identités queer réunionnaises encore peu visibles dans les récits médiatiques traditionnels.

Cette dimension politique reste discrète dans l’éditorial réalisé pour Lampoon. Pourtant, elle traverse chaque image. Le corps de Raya Martigny n’est jamais neutre. Il occupe l’espace avec une forme de résistance calme.

Walter Pierre construit un espace de déséquilibre

Le photographe Walter Pierre développe ici une écriture très particulière. Basé à Amsterdam, l’artiste sud-africain travaille souvent autour de la tension entre corps et architecture. Ses images ne racontent pas une histoire linéaire. Elles mettent plutôt en place des systèmes visuels.

Dans cette série pour Lampoon Meccano, les postures semblent interrompues au milieu d’un mouvement. Un fer à repasser devient un objet absurde. Une vitrine étroite transforme le corps en sculpture enfermée. Plus loin, une accumulation de chaussures agit presque comme une extension organique du décor.

Le studio devient alors un terrain d’expérimentation. Les panneaux bruts, les sols recouverts de craft et les éléments volontairement visibles participent à cette sensation d’inachèvement permanent. Rien n’est masqué. Au contraire, la construction du décor fait partie intégrante du récit visuel.

Cette approche rejoint naturellement les recherches développées dans certains projets réalisés au Studio Le Canal, où les productions utilisent régulièrement des décors évolutifs et des matières brutes pour construire des univers photographiques immersifs.

Un décor atelier pensé comme une extension du corps

L’un des aspects les plus marquants de cet éditorial reste la scénographie imaginée par Clément Pelisson. Le décor ne cherche jamais le réalisme. Il fonctionne plutôt comme une structure mentale.

Les panneaux patinés rappellent des murs d’atelier ou des espaces de répétition. Le sol en craft apporte une texture fragile. Chaque élément semble temporaire. Cette sensation donne aux images une forme de vulnérabilité très contemporaine.

Par ailleurs, les accessoires deviennent eux aussi des outils de narration. Une chaise retournée, un aquarium vide ou une table improvisée suffisent à déséquilibrer la scène. Walter Pierre utilise ces objets comme des points de rupture dans l’image.

Le résultat conserve pourtant une grande douceur visuelle. Les tons sourds, la lumière diffuse et le stylisme de Stefania Chekalina créent un contraste subtil avec la rigidité mécanique du concept initial.

Raya Martigny, présence magnétique et figure contemporaine

Ce qui frappe dans cette série, c’est la manière dont Raya Martigny occupe l’espace sans jamais chercher la démonstration. Son corps semble flotter entre abandon et contrôle.

Dans certaines images, elle apparaît presque désarticulée. Dans d’autres, son regard vient soudain réactiver toute la tension du cadre. Cette oscillation permanente produit une sensation étrange, proche de la performance contemporaine.

L’esthétique développée ici rejoint une nouvelle génération d’éditoriaux mode où le corps n’est plus seulement mis en valeur. Il devient surface de réflexion, outil politique et matière narrative.

On retrouve cette même approche dans plusieurs productions publiées récemment dans les éditoriaux du Studio La Brique Rouge, où photographie, décor et mouvement dialoguent comme un seul langage visuel.

Crédits

Model : Raya Martigny

Photography : Walter Pierre
Styling : Stefania Chekalina
Hair : Jesper Hallin @a__mgmt
Makeup : Anga Borodina @saint_germain_agency
Set design : Clément Pelisson
Casting : Levi Hare
Photography assistants : Anthony Peyper and Helén Robertson
Styling assistant : Alicia Barnet

@go__see

Entre décor brut et suspension mécanique, cette production transforme le studio en espace mental, où chaque image semble rester volontairement inachevée.

Éditorial mode : la direction artistique d’Atelier Outrage en studio

Cet éditorial mode réalisé par Atelier Outrage explore une vision contemporaine de la beauté. Dès les premières images, la direction artistique impose un langage visuel fort, entre contrôle et accident.

Une esthétique entre précision et trouble

D’abord, le travail de l’image repose sur une tension constante. Les textures capillaires deviennent matière. Les visages se dérobent. Le mouvement, quant à lui, trouble la lecture et crée une sensation presque organique.

Ainsi, l’image floue n’est pas une erreur. Au contraire, elle devient un choix esthétique. Elle évoque une présence fragile, presque insaisissable. Cette approche donne au projet une dimension sensorielle immédiate.

Atelier Outrage : une direction artistique affirmée

Ici, Atelier Outrage développe une écriture visuelle précise. Chaque élément est pensé. Le stylisme dialogue avec la coiffure. Le maquillage, lui, structure les contrastes.

Ensuite, les accessoires viennent perturber les codes classiques. Un masque brodé cache le regard. Une épée introduit une tension narrative. Ces choix renforcent une esthétique hybride, entre couture et fiction.

Par ailleurs, la cohérence globale du projet repose sur un équilibre subtil. Rien n’est laissé au hasard, mais tout semble libre.

Le studio comme espace d’expérimentation

Le shooting a été réalisé au sein du studio, un espace propice à ce type de production. Grâce à sa modularité, il permet de construire des univers visuels précis, sans contrainte extérieure.

Dans cette logique, le plateau devient un terrain d’expérimentation. Lumière, fond et mise en scène s’ajustent rapidement. Cette flexibilité est essentielle pour des projets à forte direction artistique.

Pour découvrir d’autres productions réalisées dans cet environnement, explorez la section éditorial. Vous pouvez également en apprendre plus sur les spécificités du studio Le Canal.

Une vision collective au service de l’image

Enfin, ce projet repose sur une équipe créative complète. Photographe, styliste, hair artist et maquilleurs collaborent étroitement. Chaque intervention enrichit la direction initiale.

Cette synergie permet de produire des images cohérentes et puissantes. Le projet devient alors un véritable terrain d’expression collective.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Direction artistique : Atelier Outrage 
Photographie : Saint Ambroise 
Styling : Romy Bzzl 
Hair : Kenzo Hairstylist
Assistant hair : Neffa
Makeup : Eva Ramirez  & Alexandra Delvallé 
Assistant lumière :Ronan Chartrain

Digital operator : Titouan Lepeutrec 
Post-production : Romario Maheer
Production : LaCorp Art