Zahia pour Apart Publication : une icône pop entre glamour et mise en scène

Zahia pour Apart Publication prend la forme d’un éditorial audacieux où la mode rencontre la fiction. Photographiée par Camille Mompach, la couverture et la série d’images construisent un univers visuel théâtral. Chaque photographie semble appartenir à un décor de cinéma. Pourtant, rien n’est totalement réaliste. Tout repose sur le jeu, l’exagération et la transformation.

Une vision photographique entre argentique et mise en scène

Dès les premières images, Camille Mompach impose une écriture visuelle reconnaissable. Le surcadrage, les bordures apparentes et les références à l’argentique donnent une texture particulière à la série. Ainsi, les photographies semblent provenir d’un autre temps.

Cependant, cette esthétique rétro dialogue avec une approche très contemporaine. Les lumières restent visibles. Les ventilateurs, les projecteurs et certains éléments techniques apparaissent dans le cadre. Cette mise à nu du dispositif renforce l’impression de spectacle. L’image révèle autant le personnage que sa fabrication.

Par ailleurs, cette approche fait écho à d’autres productions photographiques présentées dans notre rubrique éditoriale, où la scénographie participe pleinement à la narration visuelle.

Zahia, personnage central d’un univers extravagant

Dans cette série, Zahia ne joue pas simplement son propre rôle. Elle incarne plusieurs figures. Tantôt star hollywoodienne en coulisses, tantôt diva de cabaret ou héroïne pop, elle traverse les images avec une grande liberté.

Son visage devient un terrain d’expression. Les regards changent. Les attitudes évoluent. De plus, chaque posture participe à la construction d’un personnage différent. Cette capacité à naviguer entre plusieurs registres nourrit la richesse de l’éditorial.

Ainsi, la série ne cherche jamais le réalisme. Au contraire, elle revendique l’artifice comme langage esthétique.

Un stylisme spectaculaire au service de l’image

Le stylisme imaginé par Diane Serfati amplifie cette dimension théâtrale. Corsets ornés, volumes exagérés, accessoires sculpturaux et silhouettes inattendues composent un vestiaire spectaculaire.

Ensuite, le travail de coiffure réalisé par Dorian Jollet joue un rôle essentiel. Les coiffures blond platine évoquent les icônes hollywoodiennes des années 1950. À l’inverse, certaines silhouettes adoptent des lignes plus graphiques et expérimentales.

Le maquillage signé Lorel Encoriton accentue encore cette tension. Les yeux sont intensément dessinés. Les matières brillent sous la lumière. Chaque détail participe à la création d’une image volontairement excessive et assumée.

Entre intimité et construction visuelle

Le décor imaginé par Joseph Hoffmann participe pleinement à l’atmosphère de la série. Les panneaux boisés, la moquette rouge et les accessoires rétro créent un espace volontairement réduit. Rien ne cherche à impressionner par la démesure. Au contraire, chaque élément semble rapprocher le regard du personnage.

Cette proximité renforce la présence de Zahia. Les images donnent parfois l’impression d’observer une scène privée, comme un instant volé entre deux représentations. Pourtant, tout est soigneusement composé. La lumière, les matières et les volumes dialoguent avec le stylisme pour construire un univers cohérent.

Cette approche trouve naturellement sa place au sein du Studio La Campagne. Son équilibre entre volume de travail et atmosphère plus confidentielle permet aux équipes créatives de développer des décors immersifs sans perdre la proximité nécessaire à ce type de narration photographique.

Le reste de la série repose d’ailleurs sur cette tension permanente : une image spectaculaire dans sa forme, mais construite autour d’une sensation d’intimité presque cinématographique.

Une couverture qui célèbre l’excès

Avec Zahia pour Apart Publication, Camille Mompach signe une série qui assume pleinement l’extravagance. L’argentique, le surcadrage, le stylisme et la scénographie se répondent dans un même mouvement. Rien n’est laissé au hasard.

Finalement, cette couverture transforme la mode en spectacle visuel. Elle rappelle que l’éditorial reste un espace de liberté, où l’image peut encore surprendre, provoquer et inventer de nouveaux personnages.

Entre glamour assumé, références rétro et mise en scène contemporaine, cette série démontre comment un décor maîtrisé peut devenir le prolongement naturel d’un personnage photographique.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Cover story for Apart Publication

Photographe — Camille Mompach
Assistant photographie — Manon Léauté
Second assistant photographie — Kelsey Hunter
Stylisme — Diane Serfati
Assistants stylisme — Antonin Roberge, Bella Hfake, Kajol Jain
Coiffure — Dorian Jollet
Assistant coiffure — Ben Avh
Maquillage — Lorelen Coriton
Décors — Joseph Hoffmann
Assistant décors — Sofia Khier
Prop Styling — Isabelle Plan
Production — Young Meyer Lansky in Paris, Lucie Mabit, Paris Décors Production

Raya Martigny : corps en suspension pour Lampoon Magazine

Dans cet éditorial réalisé pour Lampoon Magazine, Raya Martigny évolue dans un décor volontairement inachevé. Les matières brutes, les panneaux d’atelier et les surfaces de craft deviennent des extensions du corps. Dès les premières images, le projet construit une tension étrange. Rien ne semble totalement stable. Pourtant, chaque geste paraît précisément orchestré.

Pensé autour de la notion d’“Aphantasia”, le shooting photographié par Walter Pierre transforme le mouvement en mécanique suspendue. Le corps n’est plus seulement photographié. Il devient structure, matière et friction.

Alors que Raya Martigny continue d’imposer sa présence entre mode, cinéma et activisme, cet éditorial révèle aussi une autre facette de son langage visuel : une présence silencieuse, presque industrielle, qui dialogue avec l’espace autant qu’avec la caméra.

Une actualité forte entre Cannes et la mode

Cette année, Raya Martigny a marqué le Festival de Cannes par plusieurs apparitions remarquées. L’actrice et mannequin était notamment présente autour du film Les Matins merveilleux d’Avril Besson, présenté en Séance Spéciale. Elle y partage l’affiche avec India Hair et Éric Cantona.

Sa présence à Cannes confirme une trajectoire qui dépasse largement le cadre de la mode. Depuis plusieurs années, Raya Martigny construit un parcours hybride entre cinéma, performance et représentation queer. Révélée dans les univers de Mugler, Rick Owens ou Jean Paul Gaultier, elle développe également une pratique artistique plus personnelle autour de l’image et de l’identité.

Originaire de La Réunion, elle porte aussi un engagement fort autour des représentations LGBTQIA+. Avec le projet Kwir Nou Éxist, mené avec le photographe Édouard Richard, elle documente des identités queer réunionnaises encore peu visibles dans les récits médiatiques traditionnels.

Cette dimension politique reste discrète dans l’éditorial réalisé pour Lampoon. Pourtant, elle traverse chaque image. Le corps de Raya Martigny n’est jamais neutre. Il occupe l’espace avec une forme de résistance calme.

Walter Pierre construit un espace de déséquilibre

Le photographe Walter Pierre développe ici une écriture très particulière. Basé à Amsterdam, l’artiste sud-africain travaille souvent autour de la tension entre corps et architecture. Ses images ne racontent pas une histoire linéaire. Elles mettent plutôt en place des systèmes visuels.

Dans cette série pour Lampoon Meccano, les postures semblent interrompues au milieu d’un mouvement. Un fer à repasser devient un objet absurde. Une vitrine étroite transforme le corps en sculpture enfermée. Plus loin, une accumulation de chaussures agit presque comme une extension organique du décor.

Le studio devient alors un terrain d’expérimentation. Les panneaux bruts, les sols recouverts de craft et les éléments volontairement visibles participent à cette sensation d’inachèvement permanent. Rien n’est masqué. Au contraire, la construction du décor fait partie intégrante du récit visuel.

Cette approche rejoint naturellement les recherches développées dans certains projets réalisés au Studio Le Canal, où les productions utilisent régulièrement des décors évolutifs et des matières brutes pour construire des univers photographiques immersifs.

Un décor atelier pensé comme une extension du corps

L’un des aspects les plus marquants de cet éditorial reste la scénographie imaginée par Clément Pelisson. Le décor ne cherche jamais le réalisme. Il fonctionne plutôt comme une structure mentale.

Les panneaux patinés rappellent des murs d’atelier ou des espaces de répétition. Le sol en craft apporte une texture fragile. Chaque élément semble temporaire. Cette sensation donne aux images une forme de vulnérabilité très contemporaine.

Par ailleurs, les accessoires deviennent eux aussi des outils de narration. Une chaise retournée, un aquarium vide ou une table improvisée suffisent à déséquilibrer la scène. Walter Pierre utilise ces objets comme des points de rupture dans l’image.

Le résultat conserve pourtant une grande douceur visuelle. Les tons sourds, la lumière diffuse et le stylisme de Stefania Chekalina créent un contraste subtil avec la rigidité mécanique du concept initial.

Raya Martigny, présence magnétique et figure contemporaine

Ce qui frappe dans cette série, c’est la manière dont Raya Martigny occupe l’espace sans jamais chercher la démonstration. Son corps semble flotter entre abandon et contrôle.

Dans certaines images, elle apparaît presque désarticulée. Dans d’autres, son regard vient soudain réactiver toute la tension du cadre. Cette oscillation permanente produit une sensation étrange, proche de la performance contemporaine.

L’esthétique développée ici rejoint une nouvelle génération d’éditoriaux mode où le corps n’est plus seulement mis en valeur. Il devient surface de réflexion, outil politique et matière narrative.

On retrouve cette même approche dans plusieurs productions publiées récemment dans les éditoriaux du Studio La Brique Rouge, où photographie, décor et mouvement dialoguent comme un seul langage visuel.

Crédits

Model : Raya Martigny

Photography : Walter Pierre
Styling : Stefania Chekalina
Hair : Jesper Hallin @a__mgmt
Makeup : Anga Borodina @saint_germain_agency
Set design : Clément Pelisson
Casting : Levi Hare
Photography assistants : Anthony Peyper and Helén Robertson
Styling assistant : Alicia Barnet

@go__see

Entre décor brut et suspension mécanique, cette production transforme le studio en espace mental, où chaque image semble rester volontairement inachevée.

Un shooting pastel

À l’occasion de son prochain numéro, D’SCENE Magazine collabore avec le photographe Pierre Cathala, qui signe la cover et une série de clichés ultra colorés à découvrir bientôt. Shootée au Studio La Brique Rouge, cette édition assume une direction visuelle forte, directe, sans filtre.

Pour ce numéro, Pierre Cathala mise sur des teintes vives et des fonds soigneusement travaillés. Chaque set est pensé pour mettre le modèle en valeur et installer une ambiance claire. La couleur est au centre. Elle donne du rythme. Elle crée de la profondeur. Surtout, elle impose une vraie identité.

La couverture capte immédiatement l’attention par son énergie et sa modernité. Face à l’objectif, Chérine Hanique (Mademoiselle Agency) incarne cette vision avec intensité. À l’intérieur, la série poursuit cette dynamique avec des compositions épurées et efficaces. Les contrastes et les jeux de lumière renforcent l’impact des images.

Cette collaboration reflète parfaitement l’esprit créatif et audacieux de D’SCENE. Elle confirme aussi le talent de Pierre Cathala pour concevoir des images contemporaines, expressives et immédiatement reconnaissables.

Réalisé au Studio La Campagne

CONTROLLED DELICACY

Une délicatesse qui ne s’excuse pas

Il faut commencer par lever le malentendu : tout ce qui est délicat n’est pas innocent. Certaines matières portent en elles une tension. Une retenue. Une décision. Controlled Delicacy naît précisément de cet endroit-là, étroit et volontaire, entre ce qui se montre et ce qui se garde.

Ce shooting s’est construit comme un acte de contrôle assumé. Les vêtements ne flottent pas. Ils avancent avec nuance. Composés, intentionnels, silencieusement magnétiques. Rien n’est laissé au hasard. Chaque geste est tenu. Chaque apparition relève d’un choix.

La campagne s’écrit autour d’une figure féminine qui savoure ce qu’elle conserve. Elle révèle sans se livrer. Élégante, irrévérencieuse, audacieuse, sensuelle. Elle ne demande pas à être regardée. Elle l’autorise.

Le regard de @karlavinterkoch accompagne cette posture avec une belle précision. Une photographie attentive à la matière, au grain, à la tension contenue des corps. La lumière ne cherche pas à séduire. Elle structure. Elle affirme. Elle laisse au vêtement et à la présence le temps de s’installer, sans jamais les forcer.

La vidéo de @louise.sagon prolonge cette écriture dans le mouvement. Un rythme retenu, presque suspendu, qui capte ce qui circule entre deux gestes, entre deux décisions. La caméra ne dirige pas. Elle observe. Elle laisse apparaître la respiration de l’image, sans jamais rompre son équilibre.

Conçue comme un dialogue entre matière, regard et temporalité, Controlled Delicacy explore la frontière fragile entre transparence et retenue. La soie, la dentelle, la structure n’y cherchent pas l’effet. Elles organisent une tension. Le vêtement devient un langage intime, porté comme un secret contre la peau.

Ici, la délicatesse n’est pas une faiblesse. Elle est une posture. Une manière d’habiter l’espace sans s’y dissoudre. Un luxe qui ne s’exhibe pas, mais s’impose par la précision, par le silence, par la maîtrise de ce qui est donné à voir.

Le vêtement comme rituel intime

Conçue à Paris, portée comme un secret contre la peau, la couture devient ici un rituel. Non pas un apparat, mais un langage intérieur. La soie, la dentelle, la transparence ne cherchent pas à provoquer. Elles organisent une tension. Entre proximité et distance. Entre douceur et autorité.

Dans l’espace du studio, les matières dialoguent avec les corps sans jamais les soumettre. Le vêtement accompagne. Il ne dévore pas. Il souligne une présence déjà là.

ACTE I — THE CHAIR, THE SILK, THE LACE

Une chaise. Un corps. Des matières qui savent attendre.
Cet acte inaugural pose le cadre : la délicatesse comme discipline. La pose n’est pas décorative. Elle est structurée. Le mouvement est contenu, presque retenu au bord de son propre élan.

La photographie capte cette frontière précise où le luxe cesse d’être ornemental pour devenir une forme de pouvoir. Non pas une domination bruyante, mais une maîtrise calme. Une souveraineté silencieuse.

Entre transparence et retenue

Tout, dans Controlled Delicacy, repose sur cette équation fragile : montrer sans céder. Exposer sans s’abandonner. La transparence n’est jamais totale. La retenue n’est jamais punitive. Elles coexistent.

C’est là que se situe le luxe contemporain : un luxe qui ne cherche pas l’effet, mais l’empreinte. Une élégance qui se construit dans la durée, dans la précision, dans le contrôle de ce qui est donné à voir.

Controlled Delicacy n’est pas une promesse.
C’est une posture.