Zahia pour Apart Publication : une icône pop entre glamour et mise en scène

Zahia pour Apart Publication prend la forme d’un éditorial audacieux où la mode rencontre la fiction. Photographiée par Camille Mompach, la couverture et la série d’images construisent un univers visuel théâtral. Chaque photographie semble appartenir à un décor de cinéma. Pourtant, rien n’est totalement réaliste. Tout repose sur le jeu, l’exagération et la transformation.

Une vision photographique entre argentique et mise en scène

Dès les premières images, Camille Mompach impose une écriture visuelle reconnaissable. Le surcadrage, les bordures apparentes et les références à l’argentique donnent une texture particulière à la série. Ainsi, les photographies semblent provenir d’un autre temps.

Cependant, cette esthétique rétro dialogue avec une approche très contemporaine. Les lumières restent visibles. Les ventilateurs, les projecteurs et certains éléments techniques apparaissent dans le cadre. Cette mise à nu du dispositif renforce l’impression de spectacle. L’image révèle autant le personnage que sa fabrication.

Par ailleurs, cette approche fait écho à d’autres productions photographiques présentées dans notre rubrique éditoriale, où la scénographie participe pleinement à la narration visuelle.

Zahia, personnage central d’un univers extravagant

Dans cette série, Zahia ne joue pas simplement son propre rôle. Elle incarne plusieurs figures. Tantôt star hollywoodienne en coulisses, tantôt diva de cabaret ou héroïne pop, elle traverse les images avec une grande liberté.

Son visage devient un terrain d’expression. Les regards changent. Les attitudes évoluent. De plus, chaque posture participe à la construction d’un personnage différent. Cette capacité à naviguer entre plusieurs registres nourrit la richesse de l’éditorial.

Ainsi, la série ne cherche jamais le réalisme. Au contraire, elle revendique l’artifice comme langage esthétique.

Un stylisme spectaculaire au service de l’image

Le stylisme imaginé par Diane Serfati amplifie cette dimension théâtrale. Corsets ornés, volumes exagérés, accessoires sculpturaux et silhouettes inattendues composent un vestiaire spectaculaire.

Ensuite, le travail de coiffure réalisé par Dorian Jollet joue un rôle essentiel. Les coiffures blond platine évoquent les icônes hollywoodiennes des années 1950. À l’inverse, certaines silhouettes adoptent des lignes plus graphiques et expérimentales.

Le maquillage signé Lorel Encoriton accentue encore cette tension. Les yeux sont intensément dessinés. Les matières brillent sous la lumière. Chaque détail participe à la création d’une image volontairement excessive et assumée.

Entre intimité et construction visuelle

Le décor imaginé par Joseph Hoffmann participe pleinement à l’atmosphère de la série. Les panneaux boisés, la moquette rouge et les accessoires rétro créent un espace volontairement réduit. Rien ne cherche à impressionner par la démesure. Au contraire, chaque élément semble rapprocher le regard du personnage.

Cette proximité renforce la présence de Zahia. Les images donnent parfois l’impression d’observer une scène privée, comme un instant volé entre deux représentations. Pourtant, tout est soigneusement composé. La lumière, les matières et les volumes dialoguent avec le stylisme pour construire un univers cohérent.

Cette approche trouve naturellement sa place au sein du Studio La Campagne. Son équilibre entre volume de travail et atmosphère plus confidentielle permet aux équipes créatives de développer des décors immersifs sans perdre la proximité nécessaire à ce type de narration photographique.

Le reste de la série repose d’ailleurs sur cette tension permanente : une image spectaculaire dans sa forme, mais construite autour d’une sensation d’intimité presque cinématographique.

Une couverture qui célèbre l’excès

Avec Zahia pour Apart Publication, Camille Mompach signe une série qui assume pleinement l’extravagance. L’argentique, le surcadrage, le stylisme et la scénographie se répondent dans un même mouvement. Rien n’est laissé au hasard.

Finalement, cette couverture transforme la mode en spectacle visuel. Elle rappelle que l’éditorial reste un espace de liberté, où l’image peut encore surprendre, provoquer et inventer de nouveaux personnages.

Entre glamour assumé, références rétro et mise en scène contemporaine, cette série démontre comment un décor maîtrisé peut devenir le prolongement naturel d’un personnage photographique.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Cover story for Apart Publication

Photographe — Camille Mompach
Assistant photographie — Manon Léauté
Second assistant photographie — Kelsey Hunter
Stylisme — Diane Serfati
Assistants stylisme — Antonin Roberge, Bella Hfake, Kajol Jain
Coiffure — Dorian Jollet
Assistant coiffure — Ben Avh
Maquillage — Lorelen Coriton
Décors — Joseph Hoffmann
Assistant décors — Sofia Khier
Prop Styling — Isabelle Plan
Production — Young Meyer Lansky in Paris, Lucie Mabit, Paris Décors Production

Raya Martigny : corps en suspension pour Lampoon Magazine

Dans cet éditorial réalisé pour Lampoon Magazine, Raya Martigny évolue dans un décor volontairement inachevé. Les matières brutes, les panneaux d’atelier et les surfaces de craft deviennent des extensions du corps. Dès les premières images, le projet construit une tension étrange. Rien ne semble totalement stable. Pourtant, chaque geste paraît précisément orchestré.

Pensé autour de la notion d’“Aphantasia”, le shooting photographié par Walter Pierre transforme le mouvement en mécanique suspendue. Le corps n’est plus seulement photographié. Il devient structure, matière et friction.

Alors que Raya Martigny continue d’imposer sa présence entre mode, cinéma et activisme, cet éditorial révèle aussi une autre facette de son langage visuel : une présence silencieuse, presque industrielle, qui dialogue avec l’espace autant qu’avec la caméra.

Une actualité forte entre Cannes et la mode

Cette année, Raya Martigny a marqué le Festival de Cannes par plusieurs apparitions remarquées. L’actrice et mannequin était notamment présente autour du film Les Matins merveilleux d’Avril Besson, présenté en Séance Spéciale. Elle y partage l’affiche avec India Hair et Éric Cantona.

Sa présence à Cannes confirme une trajectoire qui dépasse largement le cadre de la mode. Depuis plusieurs années, Raya Martigny construit un parcours hybride entre cinéma, performance et représentation queer. Révélée dans les univers de Mugler, Rick Owens ou Jean Paul Gaultier, elle développe également une pratique artistique plus personnelle autour de l’image et de l’identité.

Originaire de La Réunion, elle porte aussi un engagement fort autour des représentations LGBTQIA+. Avec le projet Kwir Nou Éxist, mené avec le photographe Édouard Richard, elle documente des identités queer réunionnaises encore peu visibles dans les récits médiatiques traditionnels.

Cette dimension politique reste discrète dans l’éditorial réalisé pour Lampoon. Pourtant, elle traverse chaque image. Le corps de Raya Martigny n’est jamais neutre. Il occupe l’espace avec une forme de résistance calme.

Walter Pierre construit un espace de déséquilibre

Le photographe Walter Pierre développe ici une écriture très particulière. Basé à Amsterdam, l’artiste sud-africain travaille souvent autour de la tension entre corps et architecture. Ses images ne racontent pas une histoire linéaire. Elles mettent plutôt en place des systèmes visuels.

Dans cette série pour Lampoon Meccano, les postures semblent interrompues au milieu d’un mouvement. Un fer à repasser devient un objet absurde. Une vitrine étroite transforme le corps en sculpture enfermée. Plus loin, une accumulation de chaussures agit presque comme une extension organique du décor.

Le studio devient alors un terrain d’expérimentation. Les panneaux bruts, les sols recouverts de craft et les éléments volontairement visibles participent à cette sensation d’inachèvement permanent. Rien n’est masqué. Au contraire, la construction du décor fait partie intégrante du récit visuel.

Cette approche rejoint naturellement les recherches développées dans certains projets réalisés au Studio Le Canal, où les productions utilisent régulièrement des décors évolutifs et des matières brutes pour construire des univers photographiques immersifs.

Un décor atelier pensé comme une extension du corps

L’un des aspects les plus marquants de cet éditorial reste la scénographie imaginée par Clément Pelisson. Le décor ne cherche jamais le réalisme. Il fonctionne plutôt comme une structure mentale.

Les panneaux patinés rappellent des murs d’atelier ou des espaces de répétition. Le sol en craft apporte une texture fragile. Chaque élément semble temporaire. Cette sensation donne aux images une forme de vulnérabilité très contemporaine.

Par ailleurs, les accessoires deviennent eux aussi des outils de narration. Une chaise retournée, un aquarium vide ou une table improvisée suffisent à déséquilibrer la scène. Walter Pierre utilise ces objets comme des points de rupture dans l’image.

Le résultat conserve pourtant une grande douceur visuelle. Les tons sourds, la lumière diffuse et le stylisme de Stefania Chekalina créent un contraste subtil avec la rigidité mécanique du concept initial.

Raya Martigny, présence magnétique et figure contemporaine

Ce qui frappe dans cette série, c’est la manière dont Raya Martigny occupe l’espace sans jamais chercher la démonstration. Son corps semble flotter entre abandon et contrôle.

Dans certaines images, elle apparaît presque désarticulée. Dans d’autres, son regard vient soudain réactiver toute la tension du cadre. Cette oscillation permanente produit une sensation étrange, proche de la performance contemporaine.

L’esthétique développée ici rejoint une nouvelle génération d’éditoriaux mode où le corps n’est plus seulement mis en valeur. Il devient surface de réflexion, outil politique et matière narrative.

On retrouve cette même approche dans plusieurs productions publiées récemment dans les éditoriaux du Studio La Brique Rouge, où photographie, décor et mouvement dialoguent comme un seul langage visuel.

Crédits

Model : Raya Martigny

Photography : Walter Pierre
Styling : Stefania Chekalina
Hair : Jesper Hallin @a__mgmt
Makeup : Anga Borodina @saint_germain_agency
Set design : Clément Pelisson
Casting : Levi Hare
Photography assistants : Anthony Peyper and Helén Robertson
Styling assistant : Alicia Barnet

@go__see

Entre décor brut et suspension mécanique, cette production transforme le studio en espace mental, où chaque image semble rester volontairement inachevée.

Éditorial mode : la direction artistique d’Atelier Outrage en studio

Cet éditorial mode réalisé par Atelier Outrage explore une vision contemporaine de la beauté. Dès les premières images, la direction artistique impose un langage visuel fort, entre contrôle et accident.

Une esthétique entre précision et trouble

D’abord, le travail de l’image repose sur une tension constante. Les textures capillaires deviennent matière. Les visages se dérobent. Le mouvement, quant à lui, trouble la lecture et crée une sensation presque organique.

Ainsi, l’image floue n’est pas une erreur. Au contraire, elle devient un choix esthétique. Elle évoque une présence fragile, presque insaisissable. Cette approche donne au projet une dimension sensorielle immédiate.

Atelier Outrage : une direction artistique affirmée

Ici, Atelier Outrage développe une écriture visuelle précise. Chaque élément est pensé. Le stylisme dialogue avec la coiffure. Le maquillage, lui, structure les contrastes.

Ensuite, les accessoires viennent perturber les codes classiques. Un masque brodé cache le regard. Une épée introduit une tension narrative. Ces choix renforcent une esthétique hybride, entre couture et fiction.

Par ailleurs, la cohérence globale du projet repose sur un équilibre subtil. Rien n’est laissé au hasard, mais tout semble libre.

Le studio comme espace d’expérimentation

Le shooting a été réalisé au sein du studio, un espace propice à ce type de production. Grâce à sa modularité, il permet de construire des univers visuels précis, sans contrainte extérieure.

Dans cette logique, le plateau devient un terrain d’expérimentation. Lumière, fond et mise en scène s’ajustent rapidement. Cette flexibilité est essentielle pour des projets à forte direction artistique.

Pour découvrir d’autres productions réalisées dans cet environnement, explorez la section éditorial. Vous pouvez également en apprendre plus sur les spécificités du studio Le Canal.

Une vision collective au service de l’image

Enfin, ce projet repose sur une équipe créative complète. Photographe, styliste, hair artist et maquilleurs collaborent étroitement. Chaque intervention enrichit la direction initiale.

Cette synergie permet de produire des images cohérentes et puissantes. Le projet devient alors un véritable terrain d’expression collective.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Direction artistique : Atelier Outrage 
Photographie : Saint Ambroise 
Styling : Romy Bzzl 
Hair : Kenzo Hairstylist
Assistant hair : Neffa
Makeup : Eva Ramirez  & Alexandra Delvallé 
Assistant lumière :Ronan Chartrain

Digital operator : Titouan Lepeutrec 
Post-production : Romario Maheer
Production : LaCorp Art

THIS SUCKS : la tétine comme manifeste visuel

La série THIS SUCKS pour Love Magazine impose une esthétique radicale. Dès les premières images, la tétine devient un point de fixation. Le regard ne s’échappe pas. Au contraire, il reste captif. Cette direction visuelle forte structure tout l’édito. Elle installe immédiatement une tension.

Une esthétique frontale et minimaliste

D’abord, le cadrage est serré. Les visages occupent tout l’espace. Ainsi, chaque détail devient essentiel. La peau, les regards, les textures sont amplifiés. De plus, les fonds restent neutres. Ce choix renforce la lisibilité. Il élimine toute distraction.

Cependant, cette simplicité apparente cache une construction précise. Les silhouettes sont sculptées par la lumière. Les matières jouent un rôle clé. Fourrure brillante, maille dense ou coton lisse : tout contraste. Chaque élément accentue la présence du modèle.

Cette approche visuelle fait écho à d’autres projets visibles dans la rubrique éditoriale du studio, où l’image reste toujours centrale.

La tétine, symbole de tension contemporaine

Ensuite, la tétine s’impose comme un symbole central. Elle évoque immédiatement l’enfance. Pourtant, ici, elle dérange. Elle glisse hors de son contexte habituel. Elle devient un objet déplacé.

D’ailleurs, ce décalage crée une tension visuelle forte, le corps est adulte, le regard est affirmé. Cependant, la bouche est neutralisée et la parole semble empêchée. Ainsi, l’image questionne directement notre capacité à nous exprimer.

De plus, la tétine agit comme un filtre émotionnel. Elle suggère une forme de retrait ou un besoin de protection. Mais en même temps, elle expose une vulnérabilité. Cette dualité nourrit toute la série.

Par ailleurs, ce symbole résonne avec une réalité contemporaine. Aujourd’hui, certains adultes adoptent ces objets pour apaiser leur anxiété. Le geste peut sembler anodin. Pourtant, il révèle une fatigue collective et traduit une saturation du réel.

Ainsi, la tétine devient un signe générationnel. Elle incarne une forme de régression consciente. Non pas comme fuite, mais comme stratégie. Une manière de ralentir. De reprendre le contrôle.

Cependant, l’édito ne donne jamais de réponse claire. Il ne moralise pas. Au contraire, il laisse planer une ambiguïté. Est-ce un refuge ? Une critique ? Ou un simple geste esthétique ?

Enfin, en répétant ce motif, la série construit un langage. Chaque visage devient une variation. Chaque tétine raconte une nuance. Ensemble, elles composent un récit silencieux. Un récit profondément ancré dans son époque.

Des contrastes visuels puissants

Par ailleurs, la série joue avec les oppositions. Le rouge vif dialogue avec des tons neutres. Le noir impose une rigueur. Le pastel adoucit l’ensemble. Pourtant, cette douceur reste ambiguë.

Les accessoires renforcent cette tension. Une tétine devient bijou. Une autre devient presque une contrainte. Les écouteurs, les lunettes ou les éléments décoratifs détournent les codes. Ils créent une narration silencieuse.

Ainsi, chaque image construit un univers. Pourtant, l’ensemble reste cohérent. La répétition du motif central unifie la série. Elle crée un langage visuel commun.

Une narration figée mais expressive

Enfin, les poses restent statiques. Les modèles regardent souvent l’objectif. Ce face-à-face est direct. Il engage le spectateur. Il crée un dialogue silencieux.

Cependant, l’émotion circule. Elle passe par les regards. Par les textures. Par les contrastes. Rien n’est laissé au hasard. Chaque image semble suspendue. Pourtant, elle raconte une histoire.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

“THIS SUCKS” with @shaoul.avital for @lovemagazine

Photography @melissadearaujo
Styling @shaoul.avital
Models @anasofianegru at @silent_paris, @akuoldengatem at @ouimanagement,
@maylis.lebrun at @imgmodels, @lanshuqii_ at @silent_paris, John Mesa at @thefaceparis,
@estebanmonbaliu at @noahmgmt, @baptiste_vivo at @mmanagementmodels, and
@nimalucas at @mmanagementmodels
Hair @rogercho2000 at @artlistparisnewyork
Make up @porschepoon at @totalworld
Nails @alexfeller
Set Design @pierre.vllnt at @deniseagency
Videography @melissadearaujo
Photography Assistant @gregpths and @baz_hml
Production @arianecdf and @bylounn
Post Production @yunakersale and @sandrobskp
Styling Assistant @carlotavivesg
Hair Assistants @akn_1025 and Sundia
Nails Assistant @bettyann_bethencourt
Casting Director @dmcasting
Creative Director @juancp
Chief Executive Officer @nordineb
Chief Content Officer @valeriedumont
Editorial Director @kaci0n
Fashion Director @taticotliar
Visual Direction @studio.demi

Un shooting Bleu et Rouge

Valentin Fabre s’impose comme une voix singulière de la photographie de mode contemporaine. À l’occasion d’un éditorial pour Numéro Netherlands, il dévoile un univers visuel structuré, où la couleur et la forme organisent chaque image avec précision.

Sa signature repose sur des contrastes marqués. Rouges intenses, bleus profonds, ombres denses : chaque teinte construit l’image. Ainsi, les silhouettes émergent dans un espace presque abstrait, entre rigueur graphique et dimension onirique.

Des corps pensés comme des compositions

Dans cette série, les corps deviennent des compositions à part entière. Les cheveux créent des lignes dynamiques. Les vêtements prolongent les gestes. De plus, chaque posture participe à une mise en scène maîtrisée.

Loin d’une simple photographie de mode, Valentin Fabre construit de véritables tableaux. Son approche mêle direction artistique et précision technique. Ainsi, il affirme une vision contemporaine, à la fois exigeante et cohérente.

Avec cet éditorial pour Numéro Netherlands, il confirme une écriture visuelle forte. La mode devient alors un terrain d’expérimentation esthétique et narrative.

Un shooting pastel

À l’occasion de son prochain numéro, D’SCENE Magazine collabore avec le photographe Pierre Cathala, qui signe la cover et une série de clichés ultra colorés à découvrir bientôt. Shootée au Studio La Brique Rouge, cette édition assume une direction visuelle forte, directe, sans filtre.

Pour ce numéro, Pierre Cathala mise sur des teintes vives et des fonds soigneusement travaillés. Chaque set est pensé pour mettre le modèle en valeur et installer une ambiance claire. La couleur est au centre. Elle donne du rythme. Elle crée de la profondeur. Surtout, elle impose une vraie identité.

La couverture capte immédiatement l’attention par son énergie et sa modernité. Face à l’objectif, Chérine Hanique (Mademoiselle Agency) incarne cette vision avec intensité. À l’intérieur, la série poursuit cette dynamique avec des compositions épurées et efficaces. Les contrastes et les jeux de lumière renforcent l’impact des images.

Cette collaboration reflète parfaitement l’esprit créatif et audacieux de D’SCENE. Elle confirme aussi le talent de Pierre Cathala pour concevoir des images contemporaines, expressives et immédiatement reconnaissables.

Réalisé au Studio La Campagne

Aigle signe une collaboration hivernale avec Maghla : une vision mode, technique et contemporaine

Le 11 décembre 2025, la marque Aigle dévoilait une collaboration remarquée avec Maghla, à travers un photoshoot hivernal pensé comme une véritable campagne de mode. Réalisée dans notre studio à Paris, cette production met en lumière une collection d’hiver à la fois fonctionnelle, graphique et résolument colorée.
Dès les premières images, l’ADN d’Aigle s’impose. La marque française réaffirme son savoir-faire autour de pièces conçues pour affronter le froid, sans jamais renoncer à une écriture visuelle forte.

Aigle : l’héritage outdoor au service d’une mode urbaine

Depuis plus de 170 ans, Aigle construit son identité autour d’un vestiaire technique, pensé pour durer. Cependant, la marque ne cesse d’évoluer. Aujourd’hui, elle dialogue avec la culture urbaine, les nouveaux usages et les figures influentes de la création contemporaine.
Dans cette collaboration, Aigle explore ainsi une silhouette hivernale audacieuse. Les volumes sont assumés. Les matières protègent efficacement. Et surtout, les couleurs viennent bousculer les codes traditionnels de l’outdoor.

Par ailleurs, cette campagne illustre une volonté claire : montrer que performance et style peuvent coexister. Les doudounes, accessoires et pièces layering s’inscrivent dans un quotidien urbain, tout en conservant l’exigence technique qui fait la réputation de la marque.

Une direction artistique pensée comme une campagne mode

Pour donner vie à cet univers, la production a été confiée à Blakhat, un studio reconnu pour son travail auprès de marques et d’influenceurs.
La direction artistique joue sur un contraste fort. D’un côté, un décor évoquant le froid, la neige et les paysages extrêmes. De l’autre, une palette chromatique dense, presque irréelle, qui sublime les pièces Aigle.

Ainsi, chaque image fonctionne comme un tableau. Les lumières sont sculptées. Les textures sont mises en relief. Et le styling souligne l’aspect protecteur des vêtements, sans jamais les figer. Cette approche visuelle s’inscrit pleinement dans une esthétique mode, proche de l’éditorial, plutôt que de la simple image publicitaire.

Le studio photo comme terrain de création

Ce shooting a été réalisé dans notre studio photo à Paris, un environnement parfaitement adapté à ce type de production hybride, entre mode et campagne de marque. Le travail en studio permet, en effet, une maîtrise totale de la lumière, des décors et des effets visuels.
Dans ce contexte, l’espace devient un outil créatif à part entière. Il autorise des mises en scène ambitieuses, tout en garantissant une cohérence esthétique sur l’ensemble de la série.

D’ailleurs, ce type de production s’inscrit naturellement dans la dynamique des projets accueillis au studio Le Canal, un lieu pensé pour les campagnes de grande ampleur, ou au studio La Campagne, plus intimiste mais tout aussi modulable.

Découvrez ici les backstage du shoot :

Une collection hivernale qui affirme sa personnalité

Au cœur de cette collaboration, la collection Aigle se distingue par un équilibre subtil. Les pièces sont techniques, certes, mais elles revendiquent aussi une vraie personnalité visuelle. Les doudounes oversize, les accessoires matelassés et les détails graphiques composent un vestiaire affirmé.
En outre, le choix des couleurs apporte une dimension presque pop à l’ensemble. Violet profond, touches contrastées, jeux de matières : chaque élément participe à une narration visuelle forte.

Cette approche permet à Aigle de toucher un public élargi. La marque s’adresse autant aux amateurs de vêtements fonctionnels qu’aux passionnés de mode, sensibles à l’image et à l’univers créatif.

Quand la mode rencontre l’influence contemporaine

Si la collaboration met en avant Maghla, l’article se concentre avant tout sur la vision d’Aigle. Néanmoins, le choix de cette figure médiatique n’est pas anodin. Il reflète l’évolution des stratégies de marque, où l’influence devient un levier narratif plutôt qu’un simple relais de visibilité.
Grâce à ce type de collaboration, Aigle inscrit son discours dans le présent. La marque dialogue avec une génération connectée, attentive à l’esthétique, mais aussi aux valeurs de durabilité et d’usage.

Une production ancrée dans l’actualité créative parisienne

Ce shooting s’inscrit pleinement dans l’actualité des productions mode réalisées en studio à Paris. Il rejoint ainsi d’autres projets éditoriaux et campagnes visibles dans la rubrique Actualités ou dans les sélections Édito et Campagne publicitaire.
Ces contenus témoignent d’une scène créative dynamique, où marques, artistes et producteurs explorent de nouvelles écritures visuelles.

Crédits

Photo & AD & Edit @blakhat.co
Stylist @annesophiedafonseca
Hairstylist @hairstylebymaeva
Makeup Artist @charleene.mua
Light design @maxxhemery
Ass. Light @quentinaussant
Ass. Caméra @raphhamel
Cheffe Elec. @inesmdtn
Chef Déco @ilididitchz
Production @marrl_
Management @karenohana @princessesabri
Lieu @studio.labriquerouge
BTS @popz.production @tahah.ea @sass.fnd
Music & SD @kamanugue
Color Grading & VFX @kantik.studio