Raya Martigny : corps en suspension pour Lampoon Magazine

Dans cet éditorial réalisé pour Lampoon Magazine, Raya Martigny évolue dans un décor volontairement inachevé. Les matières brutes, les panneaux d’atelier et les surfaces de craft deviennent des extensions du corps. Dès les premières images, le projet construit une tension étrange. Rien ne semble totalement stable. Pourtant, chaque geste paraît précisément orchestré.

Pensé autour de la notion d’“Aphantasia”, le shooting photographié par Walter Pierre transforme le mouvement en mécanique suspendue. Le corps n’est plus seulement photographié. Il devient structure, matière et friction.

Alors que Raya Martigny continue d’imposer sa présence entre mode, cinéma et activisme, cet éditorial révèle aussi une autre facette de son langage visuel : une présence silencieuse, presque industrielle, qui dialogue avec l’espace autant qu’avec la caméra.

Une actualité forte entre Cannes et la mode

Cette année, Raya Martigny a marqué le Festival de Cannes par plusieurs apparitions remarquées. L’actrice et mannequin était notamment présente autour du film Les Matins merveilleux d’Avril Besson, présenté en Séance Spéciale. Elle y partage l’affiche avec India Hair et Éric Cantona.

Sa présence à Cannes confirme une trajectoire qui dépasse largement le cadre de la mode. Depuis plusieurs années, Raya Martigny construit un parcours hybride entre cinéma, performance et représentation queer. Révélée dans les univers de Mugler, Rick Owens ou Jean Paul Gaultier, elle développe également une pratique artistique plus personnelle autour de l’image et de l’identité.

Originaire de La Réunion, elle porte aussi un engagement fort autour des représentations LGBTQIA+. Avec le projet Kwir Nou Éxist, mené avec le photographe Édouard Richard, elle documente des identités queer réunionnaises encore peu visibles dans les récits médiatiques traditionnels.

Cette dimension politique reste discrète dans l’éditorial réalisé pour Lampoon. Pourtant, elle traverse chaque image. Le corps de Raya Martigny n’est jamais neutre. Il occupe l’espace avec une forme de résistance calme.

Walter Pierre construit un espace de déséquilibre

Le photographe Walter Pierre développe ici une écriture très particulière. Basé à Amsterdam, l’artiste sud-africain travaille souvent autour de la tension entre corps et architecture. Ses images ne racontent pas une histoire linéaire. Elles mettent plutôt en place des systèmes visuels.

Dans cette série pour Lampoon Meccano, les postures semblent interrompues au milieu d’un mouvement. Un fer à repasser devient un objet absurde. Une vitrine étroite transforme le corps en sculpture enfermée. Plus loin, une accumulation de chaussures agit presque comme une extension organique du décor.

Le studio devient alors un terrain d’expérimentation. Les panneaux bruts, les sols recouverts de craft et les éléments volontairement visibles participent à cette sensation d’inachèvement permanent. Rien n’est masqué. Au contraire, la construction du décor fait partie intégrante du récit visuel.

Cette approche rejoint naturellement les recherches développées dans certains projets réalisés au Studio Le Canal, où les productions utilisent régulièrement des décors évolutifs et des matières brutes pour construire des univers photographiques immersifs.

Un décor atelier pensé comme une extension du corps

L’un des aspects les plus marquants de cet éditorial reste la scénographie imaginée par Clément Pelisson. Le décor ne cherche jamais le réalisme. Il fonctionne plutôt comme une structure mentale.

Les panneaux patinés rappellent des murs d’atelier ou des espaces de répétition. Le sol en craft apporte une texture fragile. Chaque élément semble temporaire. Cette sensation donne aux images une forme de vulnérabilité très contemporaine.

Par ailleurs, les accessoires deviennent eux aussi des outils de narration. Une chaise retournée, un aquarium vide ou une table improvisée suffisent à déséquilibrer la scène. Walter Pierre utilise ces objets comme des points de rupture dans l’image.

Le résultat conserve pourtant une grande douceur visuelle. Les tons sourds, la lumière diffuse et le stylisme de Stefania Chekalina créent un contraste subtil avec la rigidité mécanique du concept initial.

Raya Martigny, présence magnétique et figure contemporaine

Ce qui frappe dans cette série, c’est la manière dont Raya Martigny occupe l’espace sans jamais chercher la démonstration. Son corps semble flotter entre abandon et contrôle.

Dans certaines images, elle apparaît presque désarticulée. Dans d’autres, son regard vient soudain réactiver toute la tension du cadre. Cette oscillation permanente produit une sensation étrange, proche de la performance contemporaine.

L’esthétique développée ici rejoint une nouvelle génération d’éditoriaux mode où le corps n’est plus seulement mis en valeur. Il devient surface de réflexion, outil politique et matière narrative.

On retrouve cette même approche dans plusieurs productions publiées récemment dans les éditoriaux du Studio La Brique Rouge, où photographie, décor et mouvement dialoguent comme un seul langage visuel.

Crédits

Model : Raya Martigny

Photography : Walter Pierre
Styling : Stefania Chekalina
Hair : Jesper Hallin @a__mgmt
Makeup : Anga Borodina @saint_germain_agency
Set design : Clément Pelisson
Casting : Levi Hare
Photography assistants : Anthony Peyper and Helén Robertson
Styling assistant : Alicia Barnet

@go__see

Entre décor brut et suspension mécanique, cette production transforme le studio en espace mental, où chaque image semble rester volontairement inachevée.

Éditorial mode : la direction artistique d’Atelier Outrage en studio

Cet éditorial mode réalisé par Atelier Outrage explore une vision contemporaine de la beauté. Dès les premières images, la direction artistique impose un langage visuel fort, entre contrôle et accident.

Une esthétique entre précision et trouble

D’abord, le travail de l’image repose sur une tension constante. Les textures capillaires deviennent matière. Les visages se dérobent. Le mouvement, quant à lui, trouble la lecture et crée une sensation presque organique.

Ainsi, l’image floue n’est pas une erreur. Au contraire, elle devient un choix esthétique. Elle évoque une présence fragile, presque insaisissable. Cette approche donne au projet une dimension sensorielle immédiate.

Atelier Outrage : une direction artistique affirmée

Ici, Atelier Outrage développe une écriture visuelle précise. Chaque élément est pensé. Le stylisme dialogue avec la coiffure. Le maquillage, lui, structure les contrastes.

Ensuite, les accessoires viennent perturber les codes classiques. Un masque brodé cache le regard. Une épée introduit une tension narrative. Ces choix renforcent une esthétique hybride, entre couture et fiction.

Par ailleurs, la cohérence globale du projet repose sur un équilibre subtil. Rien n’est laissé au hasard, mais tout semble libre.

Le studio comme espace d’expérimentation

Le shooting a été réalisé au sein du studio, un espace propice à ce type de production. Grâce à sa modularité, il permet de construire des univers visuels précis, sans contrainte extérieure.

Dans cette logique, le plateau devient un terrain d’expérimentation. Lumière, fond et mise en scène s’ajustent rapidement. Cette flexibilité est essentielle pour des projets à forte direction artistique.

Pour découvrir d’autres productions réalisées dans cet environnement, explorez la section éditorial. Vous pouvez également en apprendre plus sur les spécificités du studio Le Canal.

Une vision collective au service de l’image

Enfin, ce projet repose sur une équipe créative complète. Photographe, styliste, hair artist et maquilleurs collaborent étroitement. Chaque intervention enrichit la direction initiale.

Cette synergie permet de produire des images cohérentes et puissantes. Le projet devient alors un véritable terrain d’expression collective.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

Direction artistique : Atelier Outrage 
Photographie : Saint Ambroise 
Styling : Romy Bzzl 
Hair : Kenzo Hairstylist
Assistant hair : Neffa
Makeup : Eva Ramirez  & Alexandra Delvallé 
Assistant lumière :Ronan Chartrain

Digital operator : Titouan Lepeutrec 
Post-production : Romario Maheer
Production : LaCorp Art

THIS SUCKS : la tétine comme manifeste visuel

La série THIS SUCKS pour Love Magazine impose une esthétique radicale. Dès les premières images, la tétine devient un point de fixation. Le regard ne s’échappe pas. Au contraire, il reste captif. Cette direction visuelle forte structure tout l’édito. Elle installe immédiatement une tension.

Une esthétique frontale et minimaliste

D’abord, le cadrage est serré. Les visages occupent tout l’espace. Ainsi, chaque détail devient essentiel. La peau, les regards, les textures sont amplifiés. De plus, les fonds restent neutres. Ce choix renforce la lisibilité. Il élimine toute distraction.

Cependant, cette simplicité apparente cache une construction précise. Les silhouettes sont sculptées par la lumière. Les matières jouent un rôle clé. Fourrure brillante, maille dense ou coton lisse : tout contraste. Chaque élément accentue la présence du modèle.

Cette approche visuelle fait écho à d’autres projets visibles dans la rubrique éditoriale du studio, où l’image reste toujours centrale.

La tétine, symbole de tension contemporaine

Ensuite, la tétine s’impose comme un symbole central. Elle évoque immédiatement l’enfance. Pourtant, ici, elle dérange. Elle glisse hors de son contexte habituel. Elle devient un objet déplacé.

D’ailleurs, ce décalage crée une tension visuelle forte, le corps est adulte, le regard est affirmé. Cependant, la bouche est neutralisée et la parole semble empêchée. Ainsi, l’image questionne directement notre capacité à nous exprimer.

De plus, la tétine agit comme un filtre émotionnel. Elle suggère une forme de retrait ou un besoin de protection. Mais en même temps, elle expose une vulnérabilité. Cette dualité nourrit toute la série.

Par ailleurs, ce symbole résonne avec une réalité contemporaine. Aujourd’hui, certains adultes adoptent ces objets pour apaiser leur anxiété. Le geste peut sembler anodin. Pourtant, il révèle une fatigue collective et traduit une saturation du réel.

Ainsi, la tétine devient un signe générationnel. Elle incarne une forme de régression consciente. Non pas comme fuite, mais comme stratégie. Une manière de ralentir. De reprendre le contrôle.

Cependant, l’édito ne donne jamais de réponse claire. Il ne moralise pas. Au contraire, il laisse planer une ambiguïté. Est-ce un refuge ? Une critique ? Ou un simple geste esthétique ?

Enfin, en répétant ce motif, la série construit un langage. Chaque visage devient une variation. Chaque tétine raconte une nuance. Ensemble, elles composent un récit silencieux. Un récit profondément ancré dans son époque.

Des contrastes visuels puissants

Par ailleurs, la série joue avec les oppositions. Le rouge vif dialogue avec des tons neutres. Le noir impose une rigueur. Le pastel adoucit l’ensemble. Pourtant, cette douceur reste ambiguë.

Les accessoires renforcent cette tension. Une tétine devient bijou. Une autre devient presque une contrainte. Les écouteurs, les lunettes ou les éléments décoratifs détournent les codes. Ils créent une narration silencieuse.

Ainsi, chaque image construit un univers. Pourtant, l’ensemble reste cohérent. La répétition du motif central unifie la série. Elle crée un langage visuel commun.

Une narration figée mais expressive

Enfin, les poses restent statiques. Les modèles regardent souvent l’objectif. Ce face-à-face est direct. Il engage le spectateur. Il crée un dialogue silencieux.

Cependant, l’émotion circule. Elle passe par les regards. Par les textures. Par les contrastes. Rien n’est laissé au hasard. Chaque image semble suspendue. Pourtant, elle raconte une histoire.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Crédits

“THIS SUCKS” with @shaoul.avital for @lovemagazine

Photography @melissadearaujo
Styling @shaoul.avital
Models @anasofianegru at @silent_paris, @akuoldengatem at @ouimanagement,
@maylis.lebrun at @imgmodels, @lanshuqii_ at @silent_paris, John Mesa at @thefaceparis,
@estebanmonbaliu at @noahmgmt, @baptiste_vivo at @mmanagementmodels, and
@nimalucas at @mmanagementmodels
Hair @rogercho2000 at @artlistparisnewyork
Make up @porschepoon at @totalworld
Nails @alexfeller
Set Design @pierre.vllnt at @deniseagency
Videography @melissadearaujo
Photography Assistant @gregpths and @baz_hml
Production @arianecdf and @bylounn
Post Production @yunakersale and @sandrobskp
Styling Assistant @carlotavivesg
Hair Assistants @akn_1025 and Sundia
Nails Assistant @bettyann_bethencourt
Casting Director @dmcasting
Creative Director @juancp
Chief Executive Officer @nordineb
Chief Content Officer @valeriedumont
Editorial Director @kaci0n
Fashion Director @taticotliar
Visual Direction @studio.demi

BAZAAR Germany : une esthétique minimaliste portée par le stylisme

Publié par BAZAAR Germany, ce shooting signé Pierre-Alban De Fontenay  représenté par @openspaceparis propose une vision épurée et contemporaine de la mode. En effet, le magazine met ici en avant une esthétique minimaliste, construite autour de silhouettes nettes, de lignes précises et d’un stylisme rigoureux signé Kai Margrander.

Les silhouettes dialoguent dans des compositions en miroir. Elles évoluent dans un espace lumineux et presque abstrait. Ainsi, cette mise en scène renforce une sensation de calme et de tension à la fois, où chaque posture devient signifiante.

Un stylisme structuré et une vision contemporaine

La palette, volontairement sobre, laisse place à des contrastes subtils entre les matières et les lignes. De plus, les vêtements prolongent les corps plutôt que de les dominer. Le stylisme construit ainsi une silhouette nette et graphique.

Pierre-Alban De Fontenay adopte une approche retenue et introspective. Les gestes sont mesurés. Ainsi, une narration silencieuse s’installe, laissant toute sa place au stylisme.

À travers cette série, BAZAAR Germany affirme une mode plus conceptuelle. Par ailleurs, le dialogue entre image et stylisme dessine une écriture visuelle sobre et actuelle.

Dans cette approche, certains projets prennent forme dans des lieux pensés pour la création, comme le studio La Campagne.

Découvrez également d’autres projets dans la section éditorial.

Un shooting Bleu et Rouge

Valentin Fabre s’impose comme une voix singulière de la photographie de mode contemporaine. À l’occasion d’un éditorial pour Numéro Netherlands, il dévoile un univers visuel structuré, où la couleur et la forme organisent chaque image avec précision.

Sa signature repose sur des contrastes marqués. Rouges intenses, bleus profonds, ombres denses : chaque teinte construit l’image. Ainsi, les silhouettes émergent dans un espace presque abstrait, entre rigueur graphique et dimension onirique.

Des corps pensés comme des compositions

Dans cette série, les corps deviennent des compositions à part entière. Les cheveux créent des lignes dynamiques. Les vêtements prolongent les gestes. De plus, chaque posture participe à une mise en scène maîtrisée.

Loin d’une simple photographie de mode, Valentin Fabre construit de véritables tableaux. Son approche mêle direction artistique et précision technique. Ainsi, il affirme une vision contemporaine, à la fois exigeante et cohérente.

Avec cet éditorial pour Numéro Netherlands, il confirme une écriture visuelle forte. La mode devient alors un terrain d’expérimentation esthétique et narrative.

Emirates Woman 

The Wellness Issue, Studio La Brique Rouge

Il faut commencer par le dire : le bien-être n’est plus cette chose molle, vaguement laiteuse, qu’on associe à la lenteur obligatoire, au souffle contrôlé et aux couleurs pastel. Il a changé de camp. Il a durci. Il s’est verticalisé. En janvier, au Studio Photo La Brique Rouge à Paris, lieu de production éditoriale et de création artistique, Emirates Woman est venu chercher autre chose : non pas une promesse de douceur, mais une tenue. Une tenue du corps, de l’allure et de l’esprit, pensée pour un édito international, entre photographie, mode et regard contemporain.

Ce qui se joue ici relève moins du repos que de la puissance contenue. Une féminité qui ne s’excuse pas d’exister, qui ne se raconte pas en creux, qui ne cherche ni la validation ni la consolation. Une féminité qui sait exactement où elle pose les pieds, et pourquoi elle avance, dans un shooting éditorial à Paris, conçu comme un portrait de force et de présence.

Le récit photographique s’organise autour de cette idée simple et exigeante : la force n’est pas un spectacle. Elle est un état. Elle ne s’annonce pas, elle se manifeste, dans un photoshoot éditorial pensé pour un cover magazine mode, entre portrait, beauté et affirmation visuelle.

Le corps comme syntaxe

Au centre des images, Karen Joigny. Non pas comme sujet décoratif, mais comme axe. Le corps devient ici une phrase complète, avec sa grammaire propre : angles, suspensions, tensions maîtrisées. Chaque pose est une décision. Chaque immobilité contient un mouvement prêt à surgir, capté dans un studio photo, au cœur d’un travail de photographie de mode.

Il n’y a pas d’abandon passif dans cette série. Même les silences sont tenus. Le corps ne s’offre pas. Il ne cherche pas à séduire. On ne regarde pas ces images comme on consomme une esthétique. On y entre comme dans une zone de concentration, entre portrait, émergence créative et regard contemporain.

Wellness, sans l’injonction

Ce que propose Emirates Woman ici, c’est une lecture du bien-être débarrassée de la performance et de la morale. Pas d’idéologie du dépassement, pas de culte du corps parfait. Le wellness, tel qu’il se déploie dans cette série, est une forme d’alignement. Une solidité intérieure. Une capacité à tenir droit sans raideur, pensée dans un édito beauté qui dialogue avec la mode internationale.

La force n’est jamais agressive. Elle est calme. Dense. Elle se lit dans la posture plus que dans l’effort, dans la continuité plus que dans l’exploit. Une discipline intime, presque invisible, mais profondément active, comme un portrait qui s’impose sans bruit.